группа171: К зачету по НХП

1. Виды декоративно-прикладного искусства.

Декоративно-прикладное искусство — широкий раздел искусства, который охватывает различные отрасли творческой деятельности, направленной на создание художественных изделий с утилитарными и художественными функциями. Собирательный термин, условно объединяет два обширных рода искусств: декоративное и прикладное. В отличие от произведений изящного искусства, предназначенных для эстетического наслаждения, многочисленные проявления декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление в повседневной жизни.
Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким характеристикам: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера (одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия) .
классификация отраслей декоративно-прикладного искусства
по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево),
по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки).
Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.
Основные виды декоративно-прикладного искусства
Гобелен
· Батик → • Холодный батик • Горячий батик
· Набойка
· Бисероплетение
· Вышивание → • Древнерусское лицевое шитье • Вышивка крестом • Вышивка бисером • Нитяная графика
· Вязание → • Вязание крючком • Вязание спицами
· Макраме
· Кружевоплетение → • Фриволите
· Ковроткачество
o Ворсовый ковёр
o Безворсовый ковёр
· Квиллинг
· Керамика
· Мозаика
· Ювелирное искусство
· Лаковая миниатюра
o Палехская миниатюра
o Федоскинская миниатюра
o Холуйская миниатюра
o Мстерская миниатюра
· Художественная роспись по дереву → • Хохлома • Городецкая роспись • Мезенская роспись
· Художественная роспись по металлу → • Жостовская роспись • Финифть • Лиможская эмаль
· Художественная роспись по керамике → • Гжель • Дымковская игрушка • Филимоновская игрушка
· Художественная резьба
o Резьба по камню
o Резьба по дереву
o Резьба по кости
· Художественная обработка кожи
· Художественная обработка металла
o Металлопластика
o Христианская оловянная миниатюра
o Художественная ковка
o Художественное литье из благородных металлов, бронзы и латуни
o Художественное литье из чугуна
o Чеканка
· Пирография (выжигание по дереву, коже, ткани и т. д.)
· Работа со стеклом → • Витраж • Витражная роспись
· Оригами
· Бумагопластика
· Корнепластика
2. Материалы, используемые в декоративно-прикладном искусстве. Форма, цвет, текстура и фактура в предметах декоративно-прикладного искусства.
ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО создание художественных изделий, имеющих практическое назначение (домашняя утварь, посуда, ткани, игрушки, украшения и др.), а также художественная обработка утилитарных предметов (мебели, одежды, оружия и т. д.). Мастера декоративно-прикладного искусства используют самые разнообразные материалы – металл (бронзу, серебро, золото, платину, различные сплавы), дерево, глину, стекло, камень, текстиль (натуральные и искусственные ткани) и др.
Декоративно-прикладные изделия должны быть прежде всего удобны в использовании и красивы. Они создают предметную среду вокруг человека, воздействуя на его душевное состояние и настроение. Произведения декоративно-прикладного искусства рассчитаны на восприятие и зрением, и осязанием, поэтому выявление красоты фактуры и пластических свойств материала, искусность обработки играют в нём важнейшую роль. В форме вазы, игрушки, предмета мебели, в системе их украшений мастер стремится выявить прозрачность стекла, пластичность глины, теплоту дерева и текстуру его поверхности, твёрдость камня и естественный рисунок его прожилок. При этом форма изделия может быть как абстрактной, так и напоминать цветок, дерево, фигуру человека или животного.
В украшениях широко применяются различные орнаменты. Часто именно декор превращает бытовой предмет в произведение искусства (хохломская чаша простой формы, расписанная яркими узорами по золоту; платье скромного фасона, украшенное вышивкой или кружевами). При этом очень важно, чтобы орнаменты и фигуративные изображения не противоречили форме изделия, а выявляли её.
Декоративно-прикладное искусство существует с глубокой древности. Художественные изделия тесно связаны с бытовым укладом и обычаями определённой эпохи, народа или социальной группы (дворян, крестьян и т. д.). Уже первобытные мастера украшали резьбой и узорами посуду, изготавливали примитивные украшения из звериных клыков, раковин и камней. В этих предметах воплотились представления древних людей о красоте, о строении мира и о месте человека в нём. Традиции древнего искусства продолжают жить в фольклоре, в изделиях народных промыслов. В дальнейшем выделяется утварь для исполнения священных обрядов и предметы роскоши, призванные подчеркнуть богатство и властную силу своих владельцев. В этих изделиях использовались редкие, драгоценные материалы и богатый декор. Развитие промышленного производства в 19 в. позволило создавать произведения декоративно-прикладного искусства для массового потребителя. При этом замысел, эскиз росписи, форма для изготовления и т. д. принадлежали крупным мастерам, а готовые изделия тиражировались работниками фабрик и заводов (шпалеры по эскизам известных мастеров, изделия фарфоровых заводов и т. д.). Применение промышленных технологий положило начало искусству дизайна.
3. Назовите основные центры изготовления декоративных изделий из дерева.
Художественная обработка дерева---
1. Абрамцево-кудринская резьба по дереву: г. Хотьково
2. Роспись и резьба по дереву: г. Архангельск
3. Резьба по дереву: пос. Богородское Московская обл.
4. Вятские изделия из капо-корня: г. Киров
5. Городецкая роспись и поволжская резьба по дереву
6. Резьба по дереву: с. Полховский Майдан
Нижегородская обл.
7. Сергиево-Посадская игрушка и резьба по дереву
8. Федосеевская игрушка: Нижегородская обл.
9. Хохломская роспись по дереву: г Семенов и с. Семино Нижегородская обл.
10. Шемогодская береста: г. Великий Устюг
1. Какие породы деревьев используются для росписи.
4. Древесина и виды ее художественной обработки.
Человек использовал древесину на протяжении тысячелетий для многих целей
Испокон веков дерево сопровождает человека на его жизненном пути. Это одно из совершенных созданий природы, которое обожествляли, олицетворяли, одухотворяли. Еще в древности человек начал использовать доступные ему природные материалы, одним из которых было дерево.
в качестве строительного материала, для изготовления инструментов, оружия, мебели, тары, бумаги, произведений искусства.
. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РЕЗЬБА ПО ДЕРЕВУ- один из древнейших и наиболее распространенных видов художественной обработки дерева, при котором узор наносится на изделие при помощи топора, ножа, резцов, долот, стамесок и других подобных инструментов. С совершенствованием технологий появилась токарная обработка дерева и фрезерование, значительно упростившие труд резчика. Резьба применяется в домовом декоре, при украшении бытовой утвари и предметов мебели, для изготовления мелкой деревянной пластики и игрушек. Резьба различается по видам -- геометрическая резьба, контурная резьба, плоскорельефная резьба, ажурная резьба и объемная резьба.
Художественная резьба по дереву была известна с первобытных времен практически у всех народов в разных концах Земли. С постоянным совершенствованием орудий труда, с переходом от каменных резцов к металлическим инструментам мастерами осваивались новые технологии, все более совершенные в художественном отношении виды резьбы. Издавна являясь одной из важнейших областей народного искусства, резьба и сегодня составляет значительную часть традиционных художественных ремесел.
Контурная резьба. Геометрическая резьба. Прорезная резьба. Плоскорельефная резьба. Глухая рельефная резьба. Скульптурная резьба. Виды орнаментов. Назначение орнаментов. Геометрический орнамент. Растительный орнамент. Геральдический орнамент. Ажурный орнамент. Плетенка, арабеска, жгут, венок, завиток, панно.
Мозаика. Инкрустация (лат. incrustatio, от incrusto — покрываю слоем, корой, выкладываю мрамором), техника декорирования поверхности изображениями из кусочков дерева, мрамора, керамики, металла, перламутра и т. п. При инкрустации отличные по цвету или материалу элементы декора врезаются в поверхность. В английском языке существует два слова для обозначения инкрустации. Термин «inlay» означает, что элементы изображения помещены вровень поверхностью. Другое слово — «encrust» подразумевает, что это инкрустация, когда элементы выступают над поверхностью.
Инта́рcия
Для изготовления интарсии подбирают разную по цвету древесину, которую нарезают на тончайшие ленты шпона, предварительно удалив все дефекты. Получившиеся ленты-полоски склеивают до листов необходимого размера, из которых вырезают детали для мозаики и затем врезают в массив дерева.
маркетри — инкрустация деревом по дереву ленты шпона наклеивают на основу - плоскую деревянную поверхность.
Роспись по дереву
5. Художественная роспись дерева.
Хохлома. городецкая роспись , полхов-майданская роспись ,Вятская матрешка, росписи Северной Двины----
Хохломская роспись радует яркими красками и сиянием золота.
В росписях хохломы преобладают растительные мотивы, однако встречаются и изображения птиц. Злотые травы, листочки, ягоды малины и земляники, преображенные фантазией художника, сплетаются в узоры. Цвета хохломы в основном составляют черно – красную гамму с золотом, что придает изделиям праздничный и торжественный колорит. Зеленый, желтый и коричневый цвета используют иногда для придания росписи еще большей яркости и нарядности.
Образная выразительность хохломы достигается за счет композиционного единства травных узоров с формой и размерами деревянной посуды. Для формирования хохломского орнамента большое значение имеет смелый кистевой мазок.
Хохломой расписывают наборы посуды, а также украшают детские стульчики, столы, кресла и другую мебель.
городецкая роспись.
Городецская роспись зародилась под Нижним Новгородом в городе Городец в 17 веке. Эта Роспись относится к кистевым видам росписи. Выполнялась в основном на плоских поверхностях клеевыми красками. Цветовая палитра городецской росписи красочна и разнообразна. Золотые, зеленые, желтые, голубые, синие, коричневые, розовые и красные цвета сочетаются с черным и белым. Сюжетная композиция городецской росписи отличается тем, что мастера изображали барышень и кавалеров в интерьере или на городской улице. Традиционны для этой росписи сцены чаепития, катания на тройках, праздничные гуляния и т д.
Если действие происходило в интерьере, то обязательно изображались часы и самовар, как символ благополучия и достатка
Пышный орнамент из купавок, розанов, листьев обрамляет сюжетные картинки, расположенные ярусами. Цветы старые мастера писали фантастические, каких в природе не встретишь, но это только на первый взгляд. Сказочные, летящие, как птицы, кони, волшебные цветы и сцены из обычной жизни – все у городецких художников выглядит радостно и празднично!
Пишут городецкие мастера как по цветному фону, так и по неокрашенному дереву .
Особую выразительность Городецкой росписи придает нарядная «оживка», выполненная белилами. Штрихи, линии, точки, дуги украшают цветы и фигуры
Вятская матрешка
Пожалуй, наиболее сложной технологией изготовления отличается другой тип матрешки - родом из Вятки. Помимо традиционной росписи, в ее оформлении используется оригинальный художественно - технологический прием, вообще характерный для изделий этого региона - инкрустация соломкой.
Особое своеобразие вятская расписная деревянная кукла получила в 60-е годы, когда матрешку стали не только расписывать анилиновыми красками, но и инкрустировать соломкой. Для инкрустации использовали ржаную соломку, которую выращивали на специальных участках и аккуратно срезали серпами вручную. В 1960 годы появились башкирские и марийские матрешки, расписанные в национальных традициях.
6. Каковы отличительные особенности хохломских изделий
Характерной особенностью хохломской росписи является сочетание красного, чёрного и золотого цвета. заготовки покрывают порошком из алюминия , росписывают масляными красками после чег покрывают лаком и обжигают при высокой температуре-такую посуду можно использовать для горячей пищи В росписях хохломы преобладают растительные мотивы, изображения птиц.
7. Каковы отличительные особенности гжельской керамики?.
-Гжельская посуда отличается большим многообразием форм и использованием в росписи оттенками одного синего цвета на белом фоне. Кроме посуды мастера Гжели создают и мелкую декоративную пластику - забавные скульптурки людей, животных, сценки из жизни.
гжельской росписи присущи природные, растительные мотивы (цветы, веточки, листочки, волнистые линии-змейки, травинки, птицы). Как и в других видах народного искусства, цветы, птицы – это не просто элементы росписи, ЭТО ДРЕВНИЕ СИМВОЛЫ счастья и мечты о прекрасном.
8 Виды керамики
Керамика – это глиняная посуда, слово произошло от греческого «керамос», что значит глина. Майолика, фаянсовая посуда, фарфор – все эти виды керамики можно встретить в произведениях гжельских мастеров. фаянсовая посуда – из белой глины, а фарфор – тонкий, звучащий – делают из необыкновенно белой глины.
9 Расскажите о гжели
Родина фарфора с синей росписью – Раменский район Подмосковья. Гжель – название одного из сел, ставшее собирательным для нескольких сел и деревень округи, в которых занимались гончарным промыслом. В предшествующие столетия гжельский фарфор и майолика были многоцветными, но постепенно именно в полуфаянсе синий цвет становится классическим. Расписывается эта посуда по белой обожженной глине кобальтовой краской чёрного цвета, а сверху покрывается глазурью. При обжиге кобальт становился пронзительно синим, а прозрачная полива приобретала блеск.
Секрет искусства Гжели в ее ярко выраженном сочетании синих узоров и белого фона, оригинальных приемах росписи и органичных формах изделий. Образы Гжели вызывают волнующее чувство соприкосновения с природой.
Кроме посуды гжельские умельцы делают мелкую скульптуру – сценки из жизни и пронизанные юмором композиции: здесь можно увидеть, как одна хозяйка доит корову, другая раздувает сапогом самовар, третья пряжу прядет да песни поет. Могут вылепить мастера петушков, коней и даже скульптурные сосуды. Традиции и новизна, красота и польза сочетаются в современных работах гжельских мастеров.
Во второй половине XVIII века здесь наладилось производство Гжельской майолики — покрытых глазурью изделий из красной глины с росписью белой, желтой, синей, зеленой и коричневой краской. Например, нарядную посуду: кувшины, рукомои, кружки «напейся — не облейся», блюда, тарелки — украшали орнаментальной и сюжетной росписью. Кроме посуды, из этой глины получались прекрасные игрушки в виде птиц и зверей, фигурки крестьянок, модниц, франтов, а также часы (настенные), шкатулочки и даже помадные банки. Работа требовала большого терпения и искусства: одно неверное движение кисти — и все насмарку. Роспись велась по мягкому, необожженному черепку — так называется сформированное глиняное изделие, покрытое белой эмалью.
Плоскую форму гжельские сосуды для напитков переняли у старинныx походных фляг. Отверстие в центре круглого тулова такого сосуда предназначено для мешочка со льдом, чтобы напиток оставался прохладным. Цвета для росписи всех этих нарядных изделий в основном желтые, зеленые, коричневые и синие.
Отвлекаясь от создания художественных работ, гжельцы не чурались изготовления и насущно необходимых хозяйственных изделий, например канализационных труб для московских улиц, или выполняли заказы на производство изразцов для печей и каминов.
В начале XIX века гжельцы решили добавить в свои глины известь. Опыт удался и позволил получить из нового состава «белую глину» наподобие фаянса. Этот полуфаянс — такое же замечательное художественное открытие в истории керамики, как и майолика. С этого момента и начинают расти знаменитые синие цветы, листья и бутоны на белом фоне — исключительно гжельская традиция, какой не сыщешь нигде больше в мире. Самобытный стиль росписи кобальтом — синей краской становится классическим. По сравнению с майоликой производство полуфаянса было огромным шагом вперед. Но все же черепок его был довольно толстым. Постепенно начинается разработка технологии производства тонкого фаянса. Нашелся человек, потративший на это десять лет своей жизни. Это крестьянин Афанасий Киселев. Он же вместе со своими подручными освоил все основные виды художественной росписи: кистевую живопись, технику переводной печати, цветные поливы, рельеф, люстр-покрытие солями металлов, придающее изделиям металлический блеск под «золото», «медь», «серебро», «перламутр».
Квасники - декоративные кувшины с кольцевидным туловом с отверстием в корпусе, высокие, с длинным носиком, часто на четырех округлых ножках;
Кумганы – подобные сосуды, но без сквозного отверстия в корпусе.
10 Особенности скопинской керамики.
Город Скопин Рязанской области издавна славился гончарными изделиями. Из светлой глины здесь делали простую посуду без поливы, так называемые «синюшки».
Произведения отличает соединение скульптурных образов с формой сосудов. Поражает не только знание традиций древних славян, но и художественная фантазия, помогающая создавать живые образы и пластику.
В скопинской керамике в равной мере активны объем и силуэт, поэтому формы монументальны и выразительны независимо от размера сосуда.
Традиции древнего гончарного промысла отразились в произведениях скопинских мастеров. Здесь делали кувшины, кумганы, квасники, жбанчики, украшенные диковинными зверями и птицами, орлов с распростертыми крыльями, коней-свистулек, всадников, медведей-музыкантов. Изделия покрывали зеленой или коричневой глазурью.
Народное восприятие мира как единство природы и человека, формы живой и формы предметной получило отражение и в скопинских сосудах. Логика конструкции сочетается с изобразительностью. Разнообразные скульптурные изображения на месте ручек слиты с формой кувшина.
11. Русская глиняная игрушка.виды и характерные особенности
. География русской глиняной игрушки обширная. Глиняные свистульки (различные местные наименования – “сопелки”, “соловьи”, “гудухи”, “свистуны”, “улютки”, “грематушки” т д) и различного рода фигурки лепили повсеместно, в каждой губернии. По сравнению с деревянными, тряпичными, соломенными и игрушками из других материалов, глиняная игрушка оказалась самой стойкой и живучей, это объясняется тем, что промысел глиняных фигурок всегда был тесно связан с производством гончарной посуды. Горшечники лепили игрушки “между делом” повсеместно, где только имелись сколько-нибудь значительные залежи глины.
Вот только некоторые из них:
1. Филимоновская игрушка.
2. Дымковская игрушка
3. Хлудневские.
4. Каргопольские.
5. Тверские.
6. Вельские.
Дымковская игрушка.
В бывшей слободе Дымково, что недалеко от Вятки, родилась дымковская игрушка. Лепили игрушки из красной глины, затем обжигали, белили меловым грунтом на молоке и расписывали. По белому фону «разбрасывали» яркие круги, клетки, крупные и мелкие горошины. Цвета: оранжевый, красный, зеленый, голубой, розовый, желтый, сиреневый и др. Иногда поверх узора налепляли кусочки сусального золота, придававшего еще большую нарядность игрушки.
Барыни и кавалеры щеголяют своими нарядами, петухи и индюки своими пышными хвостами напоминают сказочные букеты, кормилицы хвастаются богатым семейством.
Радуют пышность форм, буйство цвета и жизнерадостная фантазия.
Каргопольская игрушка.
Город Каргополь. Изготавливается она также, как и дымковская. Но образы и роспись другие. Цвета ее не очень яркие, как и природа Севера. Тематика работ разнообразна: барыня, охотник, гармонист, танцующая пара и другие. Мастера выбирали понравившиеся им цвета для росписи игрушки: красный, оранжевый, золотистый, желтый, коричневый, болотный малиновый и др.
Птицы с девичьими лицами, медведицы, играющие на гармониках, богатырские кони, сказочные Полканы - богатырь со знаками солнца на груди – символ каргопольской игрушки. Это полуконь-получеловек, поэтому он наделен огромной силой. Вероятно, именно таким был в представлении наших предков богатырь, близкий к божеству древних славян Плихану или Полехану.
Каргопольский орнамент – это не просто геометрические узоры, а целый мир образов. Крест в круге – это солнце. Все элементы имеют древнее символическое значение. Подобные орнаменты можно увидеть на старинных вышивках и росписях.
Филимоновская игрушка.
Появилась в деревне Филимоново Тульской области. Местная глина очень пластична, фигурки из нее лепят, вытягивая форму, поэтому они такие стройные. После обжига она становится белоснежной. Наряд филимоновской игрушки связан со старинными символами-оберегами. Узоры филимоновской игрушки радуют звонкой пестротой ярких полосок. Красная, зеленая, и наоборот, зеленая, красная. Фон желтый. Полоски повторяются, выстраивая выразительный ритм – «тигровость». Полоски, крестики, круги, звездочки, солнышки, волнистые линии, точки, елочки сочетаются с гладко окрашенными частями.
Все филимоновские звери – свистульки. Среди персонажей больше домашних животных, коней, собак, баранов, кур и петухов. Характерные черты этих животных: маленькая голова на длинной шее, гибкое тело, ноги-подставки и хвост-свисток.
11 Русская деревянная игрушка.виды
В русской деревянной игрушке сложился свой особый круг традиционных образов, тем и сюжетов. Народная игрушка как сказка – все так, да не так. Это целая область народного творчества, впитавшего ценнейшие традиции искусства резьбы и росписи по дереву. Это и забава, и одновременно бытовая скульптура, создаваемая по законам пластического искусства.
Народный мастер в совершенстве владеет богатым языком декоративного искусства и использует его в русской деревянной игрушке. Ее отличают выразительные формы и силуэты, разнообразные ритмы, яркие контрасты, гармоничные пропорции.
Точеные, резные и расписные звери, птицы, люди очень обаятельны. Народный умелец выделяет в игрушке лишь самое главное, характерное и типичное. Чаще всего одной меткой деталью мастеру удается выразить характер персонажа, оживить образ.
Главное в народной игрушке – умение сочетать выразительную форму с цветом или фактурой материала. В игрушке из неокрашенного дерева мастер старается показать его естественную красоту, близость к природе. Мастера-игрушечники тонко чувствовали и разнообразно использовали богатые пластические возможности, благородный цвет, выразительную текстуру дерева. Деревянная игрушка красива и декоративна.
Полхов-Майданские тарарушки. Сергиевопосадская игрушка. Богородская игрушка.
Полхов-Майданские тарарушки.
Тарарушки – это пестрые деревянные игрушки: погремушки, копилки, грибочки, птички-свистульки, каталки на палочке и др. Само название напоминает шум, прибаутки, бойкую торговлю на базаре.
Для этих игрушек характерны строгие, простые, округлые формы предметов и яркие, звучные краски, которые эффектно сочетаются со светлым фоном дерева. Роспись располагают так, чтобы подчеркнуть криволинейную поверхность предмета. В основе росписи рисунок пером и тушью. Черная линия контура сочетается с цветовым пятном, положенным то плотным мазком, то полупрозрачным расплывом. Разнообразные изделия отличают простота рисунка и яркость красок. Художники любят рисовать растительные мотивы орнамента и пейзажи. Стиль росписи, контрастной по цвету, пышной и яркой, хорошо выражает идею изобилия цветов, плодов и красочности мира. Искусство тарарушечников отличается сказочно-реалистическим строем образов, особой декоративностью.
Сергиевопосадская игрушка.
Музейные собрания народных игрушек хранят «стада» и «зверинцы», сделанные в Посаде и в Богородском. Все игрушки отличаются определенной мерой условности и реализмом.
В сочетании красного, синего, желтого и зеленого мастер добивался красочности, нарядности, декоративности. Наиболее традиционными были образы барынь, гусаров, солдат, нянек с младенцами, пастушков и мужичков. Мастера часто вырезали монахов и монахинь, так как жили по соседству с Сергиево-Посадским монастырем. Неповторимые, индивидуальные черты переданы в выражении лица, в позах. Народные мастера, импровизируя в процессе работы, никогда точно не повторяли образы, варьировали детали.
Богородская игрушка.
В селе Богородское Московской области издавна все, даже женщины и дети, вырезали из дерева игрушки -медведей и мужиков, оленей и орлов, коней и козлов, петушков и курочек. Дерево послушно каждому прикосновению ножа и резца, которые оставляют ритмичные следы, подчеркивая форму. Красота неокрашенной игрушки во многом зависит от выразительности силуэта.
Делают фигурки реалистические. Знаменитые «Кузнецы» стали символом русской народной деревянной игрушки. По сторонам наковальни укреплены на планочках резные фигуры кузнеца и медведя. Привлекают не только занимательный сюжет, но и теплый юмор, типичность персонажей и движение игрушки – весело стучат молоточки по наковальне, когда двигаешь планочки.Есть игрушки с потайными кнопками. Части или детали некоторых игрушек для большей подвижности прикрепляют на пружинках, например, листочки на дереве. Они начинают трепетать, если дотронешься до игрушки.
Медведь в богородской игрушке – большой и добродушный зверь. Вместе с тем мастер подчеркивает в его характере черты, присущие человеку.
Самое притягательное в народной деревянной игрушке - яркая образность, сочетающая реальность с поэтическим преувеличением и сказочным вымыслом.
12 Матрешки виды и характерные особенности (сергиевская (загорская) ,семеновская, мериновская, полховская, вятская матрешка).
У Сергиевской матрешки скромный наряд, расписана она чистыми яркими цветами. Черная графическая наводка подчеркивает детали одежды и черты лица милой, добродушной матрешки.
У матрешек из Семенова на фартуках яркие букеты. Их изображение сочетается с формой и размером игрушки: чем больше матрешка, тем крупнее цветы в букете. Основной цвет в росписи-красный, черный контур обозначает край фартука и рукава кофты. На голове традиционный платок, украшенный по кайме. В росписи используют прием «пестушка», который делается «тычком».
Полхов-Майданские матрешки можно сразу узнать по необычной форме головы, удлиненному силуэту, характерному цветку и традиционному для этой росписи малиновому цвету. Яркие и сочные краски звучат во всю силу. Все объединяет черный контур. Украшают матрешку так, что цветы, ягоды и листья сплошным ковром закрывают фигурку спереди. Лицо порой изображают одним черным цветом, окружают забавными кудряшками.
Вятская -
13 История матрешки
Матрешка — это один из символов России.
Первая матрешка появилась в России в конце XIX века. Это была восьмиместная деревянная кукла, изображавшая девочку в сарафане, белом фартуке, с цветастым платком на голове и черным петухом в руках. Выточил ее в московской мастерской "Детское воспитание" токарь В. Звездочкин по эскизу известного художника С.В.Малютина (1859-1937). Считается, что прообразом матрешки послужила фигурка японского святого Но, несмотря на это, настоящей родиной матрешки стал подмосковный Сергиев Посад — крупнейший центр по производству игрушек в России. Промысел художественной обработки дерева существовал там с XVI века, игрушки, сделанные народными умельцами, забавляли еще русских царевичей. Там и стали изготавливать разнообразных матрешек. Мастера изображали девушку в цветастом платке с букетом цветов или в полушубке и шали с кистями, выпускали матрешек на темы русских сказок, а также сюжетные куклы: "Тарас Бульба", "Ревизор", "Кутузов", "Наполеон". В 1911 году Сергиевская земская учебно-показательная мастерская выпускала от 2- до 24-местных матрешек двадцати одного вида. Деревянная матрешка оказалась настолько выразительной, что из игрушки превратилась в традиционный русский сувенир. На всемирной выставке в Париже в 1900 году она получила всеобщее признание. После переименования Сергиева Посада в Загорск в 1930 году стиль росписи матрешек стал называться загорским. Сейчас городу вернули старое название. Сергиевская матрешка — это круглолицая девушка в платке и сарафане с передником, роспись яркая с использованием 3-4 цветов (красный или оранжевый, желтый, зеленый и синий). Линии лица и одежды обведены черным контуром. Матрешки изготавливаются одноместными, двух-, четырех-, шести-, восьми- и более местными. К знаменательным датам делают пятидесяти-, шестидесятиместные, первая бывает высотой около метра, а самая маленькая — менее одного сантиметра (так к празднованию 50-летия Советской власти загорские мастера изготовили 60-местную матрешку, а семеновские мастера отправили в Японию на выставку "Экспо-70" 70-местную матрешку метрового роста). Кроме сергиевской (загорской) известны семеновская, мериновская, полховская, а также вятская матрешки.
Город Семенов расположен в 70 км от Нижнего Новгорода. Этот город знаменит своим художественным промыслом — хохломской росписью. Изготовление игрушек было побочным ремеслом для семеновских мастеров, которое они переняли у сергиевских художников. Первая матрешечная артель была организована в 1929 году, она объединила мастеров-игрушечников Семенова и близлежащих деревень. Село Мериново находится возле города Семенова, в 1922 году мастер А.Майоров купил сергиевскую игрушку, он выточил похожую игрушку и расписал вместе с дочерьми, с тех пор это ремесло стало основным для мериновских умельцев. Отличительные черты семеновского стиля — простое решение образа и своеобразная роспись, напоминающая пышный букет. Если сергиевская матрешка — приземистая и плотная, ее верхняя часть плавно переходит к утолщенной, то семеновская более вытянутая, стройная. Роспись выполняется по крахмальному грунту, рисунок пером расцвечивается анилиновыми красками.
На юге нижегородской области есть старинное русское село Полховский Майдан. изготавливали посуду, а в конце 20 годов XX века,стали точить русскую игрушку. Теперь всем селом точат игрушки. Особенности полховской матрешки: подчеркнуто вытянутая форма с жестко очерченной головой, роспись по предварительно нанесенному контуру, сделанному тушью. Окраска производится по грунтовке крахмалом, после нее изделия дважды или трижды покрывают прозрачным лаком.
Наиболее сложная технология изготовления у вятской матрешки, в росписи там используются анилиновые краски, кроме того применяется инкрустация соломкой. На сегодняшний день самым популярным является сергиевский стиль: шаль, передник и сарафан, а также смелое сочетание цветов.
14. Основные центры изготовления керамических изделий( Гжель, Скопин, Каргополь, Вятка, Тула, Дмитров, Конаково, Санкт-Петербург и др.)
15. Каковы отличительные черты абрамцево-кудринской резьбы?
Абра́мцево-ку́дринская резьба́ — художественный промысел резьбы по дереву, сформировавшийся в конце XIX века в окрестностях подмосковной усадьбы Абрамцево ^[1]. Возникновение промысла тесно связано с художниками абрамцевского кружка и в первую очередь Е. Д. Поленовой, организовавшей в усадьбе С. И. Мамонтова в 1882 году столярно-резчицкую мастерскую, в которой учились и работали резчики из окрестных сёл: Хотьково, Ахтырка, Кудрино, Мутовки.
В 1890 году один из учеников, В. П. Ворносков, основал собственное производство в родном селе Кудрине и стал работать по заказам абрамцевской мастерской. В кудринской мастерской сформировался особый стиль орнаментальной резьбы, были найдены удачные сочетания плоскорельефной резьбы с геометрической, заложены принципы органичного использования резного декора в утилитарных предметах.
Изделия— ковши, шкатулки, бочата, солонки, декоративные блюда и вазы, покрытые ритмичным растительным орнаментом, отличает разнообразие тонировки, подчёркивающей природную красоту дерева. В основе растительногоорнамента лежат образцы резных крестьянских изделий и домового декора, орнаментальные заставки старопечатных книг. Развитие орнамента кудринских мастеров шло от соединения отдельных элементов — веточек, завитков, розеток — к цельным орнаментальным композициям, покрывающим всё изделие.
16. Расскажите о возникновении народных художественных промыслов лаковой живописи.
Лаковая миниатюра в Федоскино появилась к началу 19 века под воздействием фабричной промышленности и распространением ремесел в окрестных селах. Наибольшее развитие у местных жителей получило изготовление лакированных изделий из папье-маше и металла с росписью. Начало промыслу было положено в 1795 году, когда купец П. И. Коробов наладил кустарное производство лакированных армейских козырьков. Затем в селе Данилково, рядом с Федоскино, он основал первую в России фабрику лакированных изделий из папье-маше, выпускавшую в основном табакерки для нюхательного табака. Коробов ездил в Германию, в город Брауншвейг, на табакерочную фабрику И. Г. Штобвассера и пригласил оттуда мастеров на свою фабрику в Россию. Русские мастера стали украшать изделия изображениями отечественных сюжетов. К 1812 году фабрика перешла в собственность зятя П. И. Коробова - П. В. Лукутина.
Кроме Федоскино, в России в настоящее время действуют три центра искусства миниатюрной лаковой живописи: Палех, Мстёра и Холуй. Они прошли иной путь развития. До революции 1917 года это были крупные иконописные промыслы. Они занимались не только искусством малых форм, но и стенописью, реставрацией старых храмов. После революции 1917 художники Палеха, Мстёра и Холуя были вынуждены искать новые формы реализации своего творческого потенциала. И художники создают свои художественные артели
Палехская миниатюра.
Вид русской народной миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше (коробки, шкатулки, портсигары). Для Палехских миниатюр (бытовые, фольклорные, исторические, литературные сюжеты), выполненных яркими локальными красками по черному фону, характерны тонкий плавный рисунок, обилие золота, изящество удлиненных фигур.
Мстёрская миниатюра. Вид русской народной миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше (коробки, шкатулки и др.). Возникла в 1923 году в посёлке Мстёра (Владимирская область) на основе иконописного промысла. Для мстёрской миниатюры (бытовые, фольклорные, литературные, исторические сюжеты) характерны теплота и живописная мягкость колорита, небольшие фигурки, пейзажные фоны.
Холуй. Холуйская миниатюра.Вид русской народной миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше. Возникла в 1932 году в поселке Холуй (Ивановская область) на основе иконописного промысла. Сюжетные композиции (современные, фольклорные, исторические, литературные сюжеты) на фоне пейзажа.
17. Какова техника изготовления художественных изделий из папье-маше с лаковой живописью?
В России папье-маше появилось два века назад, когда московский купец Петр Иванович Коробов, изучивший технологию немецких лаков, изготовляющихся фабрикой Иоганна Штобвассера в городе Брауншвейге, основал в 1795 году в селе Даниловке (часть современного села Федоскино) небольшую фабрику. Местные крестьяне освоили технологию изготовления папье-маше, материала, из которого и поныне создают лаковые шкатулки, украшаемые красочной миниатюрой. Поначалу выпускали лакированные козырьки для военных головных уборов, потом - круглые табакерки, модные в начале XIX века.
Техника изготовления папье-маше отличает русские лаки самим материалом от более древних - японских и китайских лаков с основой на дереве.
Нарезанные ленты картона смазываются мучным клейстером и навиваются на деревянные или металлические болванки нужных форм: шкатулки, ларцы, коробочки для мелочей, чайницы и прочие изделия. После прессования заготовку снимают и пропитывают льняным маслом, сушат в специальных шкафах при температуре до 100 С. Потом приделывают крышку и приделывают донышко. После чего изделие обрабатывается стамесками, наждаками с целью достижения нужного контура формы, шпаклюется и просушивается. После шлифовки накладывается черный лак в несколько слоев. Внутренняя поверхность коробки окрашивается в красный цвет и покрывается бесцветным лаком. Прежде чем приступить к миниатюре черная поверхность пемзуется, отчего она становиться матовой. На нее наноситься рисунок путем перевода или прочерчивания, и начинается сложный процесс живописи.
11. Расскажите об изделиях с лаковой живописью на металле.
Жостово —подносы с яркими букетами цветов на блестящем черном фоне. Искусство Жостова принадлежит к семье «русских лаков». Одна ветвь этой семьи связана с Палехом, Мстёрой и Холуем, где лаковая миниатюра возникла в 1920–1930-e годы и унаследовала традиции древнерусской иконописи. К другой ветви, зародившейся еще в конце XVIII века, принадлежат Федоскино и Жостово. Их близость определяется не только географическим соседством этих центров, но также родством происхождения, сходством стилевых истоков.
Обаяние искусства Жостова в искренности, непосредственности его содержании и выразительных средств. Оно демократично во всех своих проявлениях, для его восприятия не нужно специальных знаний и подготовки. Садовые и полевые цветы — как реальные, так и рожденные фантазией художника, собранные в букеты и раскинувшиеся венками и гирляндами, — эта тема находит живой отклик у каждого человека, пробуждает чувство прекрасного.
Ярко выразительны средства искусства Жостова. Ему присущи своя художественная система, живописные приемы и самобытный стиль, сложившиеся из сплава орнаментальных народных росписей и освоенного народными мастерами реалистического живописного натюрморта. Искусство Жостова основано на выработанных поколениями приемах письма.
Роспись каждого подноса своеобразна и неповторима, ибо выполняется без каких бы то ни было образцов или эталонов; известный советский искусствовед А,В, Бакушинский назвал её «плодом быстрой неповторимой импровизации». Среди жостовских вещей не найти и двух совершенно одинаковых, ибо все мастера работают творчески, никогда не копируя чужих образцов и не повторяя своих собственных
Роспись выполняется в несколько приёмов «замалёвка»: разбеленными красками намечается общий силуэт изображения, расположения основных пятен. Следующими приёмами («тенёжкой» и «прокладкой») строятся формы цветов и листьев: сначала наносятся прозрачные тени, затем плотными яркими красками прокладываются» светлые места росписи. После этого следует «бликовка», то есть нанесение белильных мазков (иногда слегка подцвеченных), уточняющих все обёмы.
Завершается роспись изящной графикой «чертёжки» и «привязки»:упругие линии «чертёжки» легко обегают по контуру лепесточки и листья, выразительно подчёркивая по контрасту их сочную живопись; мелкие веточки не случайно называемые «привязкой», смягчают переход к фону
Мастера чаще всего пишут красочные букеты. В композициях много места отводится гладкому фону, который обладает красивой поверхностью, эффектно играющей на свету. Изображение цветов отличается особой мягкостью и округлостью рисунка. Самим распространенным видом жостовской росписи становится букет, расположенный в центре подноса и обрамленный по борту мелким золотистым узором. В этом построении можно видеть определенное отражение композиции станкового натюрморта XIX века, заключенного в резную золоченую раму. Но сам мотив получил более декоративное и условное истолкование, чем в станковых картинах. Он становился частью декоративной вещи, специальные приемы позволяли мастерам органично вписать, как бы „вплавить" его в лакированную поверхность подноса.
Букет превратился в нарядную группу цветов, свободно положенную на блестящий лаковый фон. Три-четыре крупных цветка (роза, тюльпан, георгин, а порой и более скромные анютины глазки, вьюнки и т.п.) окружались россыпью более мелких цветочков и бутонов, связанных между собой гибкими стебельками и легкой «травкой», то есть небольшими веточками и листочками. Изображение словно рождалось из мерцающей глубины, растворялось в ней прозрачными тенями и яркими бликами на поверхности. Чуть «утопленные» в фоне цветы казались легкими, полуобъёмными, тактично данные ракурсы и повороты венчиков не прорывали зрительно плоскости предмета.
Мастера умели находить красивые и выразительные очертания букета в целом. Верх часто завершался двумя-тремя плавно и широко расходящимися в стороны веточками, изгибы которых следовали за формой самой вещи. Легкое узорное кружево из разнообразной „травки" окружало букет по краям, вписывая его в гладкий фон Фантазия мастеров давала удивительное разнообразие решений одного и того же мотива. Писали букеты четко и компактно составленные — так называемые «собранные», а также более легкие и свободные «букеты враскидку» с широкими просветами красиво поблескивающего лакового фона — черного, золотистого, цветного.
Некоторые композиции строили почти симметрично с выделением центральной группы цветов, равномерно окружавшейся нарядной рамкой из листьев и мелких стебельков. Живость и одухотворённость этим росписям придавали гибкость очертаний, выразительность мазка, трепетного и подвижного. В других вещах сам ритмический строй был более динамичным и острым, единство достигалось свободным равновесием форм и красок. Иногда декоративную условность подчёркивали особенно явно и смело — мелки стебельки закручивали узорными спиралями, в букетах причудливо сочетали цветы, ягоды, плоды. Порою букет был похож на куст с нарядными ветвями и порхающими среди цветов птичками и бабочками.
В росписях по поталям, кроме букетов встречались венки и гирлянды являвшиеся, скорей всего, продолжением тех „золотых бордюров", которые украшали ранние жостовские подносы из папье-маше. Изображении были откровенно узорными и плоскостными, силуэты читались особенно чётко, в колорите преобладали светлые золотистые и серебристые тона, оживленные легкими цветными тенями, точками, штришками и т.д.
Для жостовской росписи были характерны и так называемые «ландшафты», представлявшие собой чаще всего наивно-лубочную интерпретацию романтических пейзажей. В сюжетных росписях изображались главным образом колоритные сценки из русской народной жизни: стремительно мчащиеся тройки с весёлыми ездоками, торжественные неторопливые чаепития с непременным самоваром в центре стола, плетение лаптей в крестьянской семье и т.д. Писали и экзотические «китайские мотивы», применяя чаще всего технику росписи по поталям, очень вольно трактуя восточную архитектуру и иноземные одежды.
12. Рассказать о материле используемом в художественной резьбе по кости.
Косторезное искусство — одно из самых старых и своими корнями уходит в далекую древность. Русское косторезное искусство известно еще с XI в., но наибольшего развития оно достигло в XVIII в. в Холмогорах.
Различные виды кости — служат хорошим поделочным материалом .для производства различных художественных изделий.
В качестве поделочных материалов используются:
Слоновая кость — клыки (бивни) слонов, которые отличаются большой твердостью и вместе с тем хорошо поддаются обработке. Цвет белый или светло-кремовый.
Мамонтовая кость — бивни мамонта — «ископаемая кость», добываемая в Сибири, главным образом по берегам рек после разлива. Кость мягче моржовой. Имеет слегка желтоватый оттенок. Легко поддается обработке, используется для тонких прорезных и мелких рельефных работ.
Моржовая кость — клыки моржей— обладает большой твердостью, имеет белый, слабо-зеленоватый цвет, при просвечивании приобретает розоватый оттенок, хорошо поддается резьбе и окраске. Благодаря твердости хорошо выдерживает гравировку. Из нее режут фигуры, различные крупные вещи, а также ажурные изделия. Добывается на Крайнем Севере, у берега Чукотки и в Белом море.
Трубчатая кость (цевка) крупных домашних животных, из-за своей сравнительной мягкости легко обрабатывается. Перед обработкой обезжиривается, отбеливается перекисью водорода и тонируется до нужного оттенка.
Для изделий из рога используются рога крупного домашнего скота. Рога, различные по размерам, окраске и текстуре, обезжириваются и могут быть тонированы для получения нужного оттенка. Они легко поддаются обработке.
Обработка кости и рога производится вручную, для чего применяются обычные инструменты: столярная пила для распиловки больших кусков кости, резцы, напильники, ножи, долота, сверла различного диаметра (для просверливания отверстий при ажурной резьбе — «на проем»). Для обработки кости используются токарные станки, бормашины, шлифовальные станки.
После обработки кости изделие шлифуется и полируется, приобретая приятный, мягкий блеск.
Кость – Для изготовления украшений используется скелетная кость, бивни слона, мамонта, зубы кашалота, моржа и др., трубчатая кость крупного рогатого скота.
Кость-цевка – круглая кость рогатого скота. Имеет белый цвет (благодаря обезжириванию и отбеливанию перед обработкой). Обычно ее окрашивают в зеленые, коричневые и желтые цвета, легко обрабатывается. Применяется для изготовления украшений мастерами хотьковского народного художественного промысла. Часто ее красят в зеленый, коричневый, желтый цвета.
Костяная бирюза (одонтолит) – окаменелые кости, зубы и бивни мамонтов и других животных. Этот материал издавна выдавали за бирюзу. Распознать «костяную бирюзу» можно через лупу. Даже при небольшом увеличении хорошо видна ячеистая структура костей.
Мамонтовая кость – бивни мамонта (ископаемые) красивого желтоватого оттенка и текстуры в виде миниатюрной сеточки. Хорошо полируется, обладает высокой твердостью. Служит хорошим материалом для высокохудожественных декоративных украшений.
Слоновая кость – бивни африканских и индийских слонов и мамонта (ископаемая слоновая кость).
К слоновой кости относят и кости кашалотов и нарвалов, реже зубы кабанов и растительные материалы, внешне похожие на слоновую кость. Например, слоновая кость растительная. Растительная слоновая кость – это семена южноамериканской костяной пальмы, которые состоят из белка и обладают чистым белым цветом. Отличается совершенной однородностью, хотя в действительности содержит множество мелких дырочек. Флюоресцирует (Флюоресценция) обычным для кости фиолетово-голубым цветом, хотя более светлого оттенка, строгается ножом.
Украшения из зуба
Зуб кашалота – красивый материал желто-розовой окраски, своеобразной текстуры, однородного строения. Стал использоваться для выработки украшений недавно. Применяется хотьковскими мастерами.
Зуб моржа – материал красивого серо-синего или серо-черного цвета, в центре – белого или желтоватого. На поперечном срезе зуба – тонкий узор в виде цветных колец с белым центром, что позволяет подчеркивать его декоративный эффект. Применяется для изготовления украшений хотьковскими мастерами (Костерезные украшения).
Клыки моржа – красивый поделочный материал бело-желтого цвета. По свойствам близок к бивням мамонта (мамонтовая кость). Обладает достаточной твердостью, пластичностью, долговечностью, хорошо полируется. В отличие от бивня мамонта внутренняя часть клыка моржа имеет ячеистую текстуру. Из клыков моржа изготовляют украшения к костюму.
13. Какова техника изготовления художественных костерезных изделий?.
Костерезные украшения - украшения, художественно выполненные изделия из мамонтовой кости, клыков моржа, зуба кашалота, кости-цевки, применяемые в качестве украшений. Техника исполнения и декорирования костерезных украшений – ажурная резьба, рельефно-ажурная, гравировка по кости, инкрустация по кости, сочетание ажурной резьбы с цветной гравировкой, окраской кости. Украшения разных промыслов отличаются техникой исполнения и декорирования, орнаментом, тематикой. Так, для ломоносовских костерезных изделий характерно разнообразие техники исполнения (применяются все виды техники и декорирования), в орнаменте преобладают северные мотивы. Хотьковские мастера выполняют, в основном, украшения в технике рельефной и ажурной резьбы, а также в сочетании резьбы с узорной гравировкой, иногда тонированием. В Хотькове успешно развито декорирование изделий костью в сочетании с другими материалами – рогом, самшитом, деревом, перламутром.
Ажурная резьба по кости заключается в том, что в местах фона сверлят отверстие и удаляют особыми инструментами ненужную кость. В результате получаются различные кружевные рисунки. Этот метод используется при изготовлении брошей, кулонов и других украшений.
Объемная резьба по кости – выпиливание профиля будущего изделия, вырезка деталей резцами и стамесками и покрытие прозрачными лаками. Применяется при изготовлении серег, браслетов, реже колец.
Рельефная резьба по кости заключается в следующем: на костяной пластинке по контурам нанесенного рисунка режущими инструментами выбирают фон, оставляя при этом на поверхности выпуклый рельеф. Применяется при изготовлении брошей, кулонов, браслетов, реже – колец.
Материалы из кости
14. Каковы особенности ломоносовских и тобольских изделий из кости?
Холмого́рская резна́я кость —В стиле холмогорской резьбы пересекаются различные культурные традиции: севернорусская, центральнорусская, западноевропейская (заимствовались техники нидерландских и немецких изделий, рисунки гравюр) и традиции коренных народов севера.
Первые известные примеры изделий, выполненных в данной манере, относятся к XVII веку, однако приёмы резьбы, отличающие данный вид промысла от прочих схожих сложились лишь к XVIII веку. К ним относятся, например, сочетание образованного сквозными отверстиями орнамента и рельефных сюжетных изображений, использование цветной гравировки, подкраска. Иногда под резной орнамент подкладывалась цветная фольга. Может использоваться мамонтовая или моржовая кость, либо кость домашнего скота (лошадей, коров). Сюжетные рельефы могут изображать сцены из народной жизни, портреты или эмблемы, со 2-й половины XIX века — также местных животных и растения. Для холмогорской резной кости характерен растительный орнамент из веточек, ягодок, а также рокайли.
В 1930 году промысел, который находился в упадке со 2-й половины XIX века, стал поддерживаться государством. В селеЛомоносово была создана профессионально-техническая школа, а позже и Холмогорская косторезная артель имени М. В. Ломоносова (1932), в дальнейшем преобразованная в фабрику художественной резьбы по кости имени М. В. Ломоносова.
Тобольская художественная резьба по кости
Возникновение костерезного промысла в Тобольске относится к 60-м годам XIX в. Развитие этого вида народного искусства в Тобольске обусловило в определенной мере обилие ископаемой мамонтовой кости в Сибири.
Во второй половине 1930-х годов в ассортименте тобольского промысла получают развитие многофигурные композиции. Каждая из скульптур — деталей композиции вырезалась отдельно и прикреплялась к плоской прямоугольной подставке.
Иногда большое место в композиции занимала архитектура — здание фактории, дома, изображение самолета. Положительной стороной этих многофигурных композиций была их тематика, отражающая преобразования, происшедшие в жизни народов Севера..
для тобольской резьбы характерна круглая скульптурная форма. Однако со временем бивень мамонта, а затем и зуб кашалота становятся дефицитным сырьем, необходимо было переориентироваться на простую поделочную кость-цевку. Этот рубеж был преодолен благодаря сотрудничеству с научно-исследовательским институтом художественной промышленности.
15. Рассказать о возникновении промысла художественной резьбы по камню.
Камень занимает особое место как материал, отличающийся большой прочностью, что позволяет использовать его в строительстве, а также для создания предметов бытового и декоративного назначения. Высокий уровень искусстваобработки камня подтверждают многие древние памятники архитектуры. Каменные сооружения Древней и Средневековой Руси отличаются самобытными архитектурными решениями и своеобразной резьбой.
XVIII в. — время расцвета камнерезного дела на Руси. Для строительства новой столицы России нужен был строительный, поделочный и декоративный камень. В Алтайском крае и на Урале нашли богатые месторождения, для разработки которых были созданы государственные предприятия.
Однако первое такое производство было организовано вблизи Санкт-Петербурга, куда привозили добываемый в разных местах страны камень. На Петергофской гранильной фабрике, розданной в 1725 г., обрабатывали камни твердых пород, которые шли на отделку архитектурных комплексов, убранство внутренних помещений, изготовление декоративных ваз, столешниц, а также ювелирных украшений.
К середине XVIII в. открывается шлифовальная фабрика в Екатеринбурге, а затем в 1780-е гг. — Колыванская гранильная фабрика в Змеиногорском (сейчас Курьинском) районе Алтайского края, на которой обрабатывали местный камень твердых пород. Наряду со шлифованием и полированием камня были освоены техники мозаичного набора, рельефной резьбы, других сложных приемов художественного декорирования и изготовления уникальных произведений декоративно-прикладного искусства по проектам архитекторов и художников.
К концу XIX в. складываются промыслы по художественной обработке мягкого камня. В группу мягких камней входят разновидности гипсового камня, селенит, кальцит, серпентин, тальк-хлорит и др. Техника их обработки проста. Блоки камня легко распиливают ножовкой или циркулярной пилой. Резьбу выполняют стамесками разного профиля или ножами, затем обрабатывают рашпилями. Из-за недостаточной твердости и хрупкости камня не всегда детально прорабатываются элементы. Утилитарные предметы и скульптурная пластика часто имеют компактные формы и незначительные членения.
Обработка мягкого камня. Такие промыслы расположены в Пермской и Нижегородской областях, Краснодарском крае, Республике Тыва. В изделиях из мягкого камня лучше видны индивидуальность, самобытность и связь с местной народной культурой.
Художественные изделия из янтаря. Янтарь как уникальный природный материал не относится к группе камней-самоцветов. Но по методам обработки, цветности и прозрачности, а также по использованию в художественных изделиях янтарь и камень очень близки.
Месторождения янтаря находятся в прибрежных районах Балтийского моря. Здесь его добывают и обрабатывают. Крупнейший прииск по добыче янтаря расположен в районе пос. Янтарный Калининградской области, в котором работает предприятие по производству художественных изделий.
Янтарь хорошо распиливается, поддается шлифованию и полированию, но из-за хрупкости требует осторожности при обработке. Окончательная отделка позволяет выявить его цвет, палитра которого от светло-желтого до красно-коричневого. В современном производстве стремятся использовать любые отходы, поэтому полученные при распиливании янтаря крошки прессуют, термически обрабатывают. В результате получают изделия кристаллической структуры, с новыми цветовыми оттенками.
16. Рассказать о художественной обработки металла.
Промыслы художественной обработки металла начали формироваться в России в XVII в. Многие из них существуют и сегодня. Основные способы обработки металла следующие.
Литье — древний и очень распространенный способ изготовления изделий путем заливки расплавленного металла в специальные формы. Остывшую отливку зачищают и дорабатывают.
Ковка — один из способов обработки металлов давлением, связанный с кузнечным ремеслом. В отличие от драгоценных металлов, которые поддаются холодной ковке, железо требует нагревания до температуры более 1000 °С, когда его можно гнуть, деформировать, чтобы получить конструкцию или элементы орнамента заданных формы и размеров.
Ковке близка техника просечки, когда из тонкого листового металла (жести) вырубают ажурные орнаменты.
Чеканка — выбивание рельефа в тонком металлическом листе или пластине. Чеканку выполняют ударами молотка по специальному стальному стержню, получая необходимый объем на пластине или объемный предмет.
Скань (от др. -рус. скать — сучить, свивать) — оригинальная ювелирная техника создания узоров из гладкой или крученой проволоки (свитой в веревочки). Такой орнамент может стать накладным украшением предмета из металла, дерева, камня или из него можно изготовить ажурные вазочки, шкатулки, ювелирные украшения. Скань часто дополняют металлическими шариками (зернью), которые обогащают поверхность орнамента. Напаянная на поверхность предмета из металла скань образует контурный рисунок для перегородчатой эмали или вставки цветного камня.
Финифть, или живописная эмаль, — уникальная роспись металлических изделий эмалевыми красками по белому эмалевому грунту. Уникальность и сложность этой техники декорирования изделий определили ее ограниченное использование в центрах художественной обработки металлов. Стеклообразное покрытие, составляющее основу эмали, обеспечивает тонкий, блестящий слой поверхности расписных и обожженных пластин, закрепляемых в оправу из скани. Прозрачность, чистота и звучность эмалевых красок придают изделиям с финифтью нарядность и декоративность.
Чернение — один из традиционных видов декорирования серебра и золота — основано на вплавлении в резной, гравированный рисунок черни — сплава из серебра, меди, свинца или олова и серы. После обжига излишки черни снимают напильниками, поверхность изделия шлифуют и полируют. Сплав остается в гравюре, контрастно выделяясь на фоне светлого металла.
17. Каковы отличительные особенности гусевских изделий из стекла?
Возникновение промысла. К художественным стеклянным изделиям относятся уникальные и массовые художественные изделия из высококачественного известкового, калиевого и свинцового (хрустального) стекла.
Древнейшее искусство стеклоделия зародилось в III—IV тысячелетиях до н. э. В нашей стране стеклоделие стало развиваться в X—XI вв. в Киевском государстве, хотя возникновение его относится к более раннему периоду. Уже в XII—XIII вв. многие стеклянные изделия киевских мастеров по качеству превосходили лучшие заграничные образцы. Монголо-татарское иго надолго задержало развитие этого ремесла. В XIV—XVI вв. на Руси существовало незначительное число кустарных производств стекла.
Первый завод в России был построен в 1635 г. в Дмитровском уезде. В 1669 г. начал выпуск стеклянной посуды казенный завод в Измайлове. В 1723 г. в Можайском уезде открывается стекольная и хрустальная фабрика под Москвой. После указана сената о запрещении строительства стекольных и железных заводов под Москвой одна часть фабрики переносится на речку Гусь, в другая — в деревню Радицы Трубчевского уезда Орловской губернии. В Гусь-Хрустальном в 1756 г. был построен завод. В 1790 г. Радицкая хрустальная фабрика переносится в Дятьково. Третий завод по производству хрустального и зеркального стекла основывается в Москве, а в 1779 г. он переводится в Петербург. При Петре I стекольное производство значительно расширяется. Строятся новые заводы: Ямбургские, Жабинские. Петербургские заводы специализировались главным образом на изготовлении уникальных высокохудожественных изделий, а Гусевский и Дятьковский положили начало массовому производству стекла в России.
Ленинградские художественные изделия из стекла. Начало бурного развития советского художественного стеклоделия было положено на Ленинградском заводе художественного стекла, основанном в 1949 г. Созданный как экспериментальная база всесоюзного значения в 1940 г., завод прошел сложный и стремительный путь развития и стал центром советского художественного стеклоделия. Ленинградский завод художественного стекла специализируется на выпуске высокохудожественных сувенирно-подарочных изделий из бесцветного и цветного хрусталя с алмазной гранью и гравировкой.
Гусевские художественные изделия из стекла. Владимирская область занимает одно из первых мест в производстве художественного стекла.Современные гусевские мастера вырабатывают изделия как из обычного (силикатного) стекла, так и из свинцового (хрустального — бесцветного и цветного, в том числе окрашенного оксидами редкоземельных элементов). Техника исполнения — выдувание в форму и свободное (гутная техника). Украшают изделия алмазной гранью, гравировкой, а гутные работы — налепами.
Наряду с сохранением и развитием традиционных приемов производства на этом заводе широко используют способ непрерывной варки изделий из свинцового стекла и цветных стекол, окрашенных оксидами редкоземельных элементов.
В изделиях завода прослеживаются русские стекольные традиции. В своих работах гусевские мастера и художники отражают природу и архитектуру Владимирского края. Гусевский завод выпускает широкий ассортимент изделий как массового производства, так и уникального характера. Ассортимент предметов массового характера: различные вазы, конфетницы, стаканы, рюмки, фужеры, а также кружки для пива (медовухи), блюда и подносы, пепельницы, различные наборы хрустальных предметов, выполненные из хрустального и сульфидно-цинкового бесцветного и цветного стекла выдуванием в форму или гутной техникой. К уникальным изделиям относятся сервизы, столовые комплекты и наборы, рюмки, декоративные и подарочные комплекты, вазы для цветов и др.
В последнее время цветное стекло часто применяют при изготовлении не только скульптуры, но и декоративных и утилитарных изделий. Мастера широко используют цветное стекло и хрусталь с добавлением редкоземельных элементов: золотистые жбаны и графины, нежно-сиреневые и синие декоративные блюда и вазы прекрасно сочетаются с бесцветным, как капли воды, хрусталем.
Дятьковские художественные изделия из стекла. Дятьковский хрустальный завод в Брянской области основан в 1790 г.; выпускает четвертую часть хрустальных изделий, производимых в нашей стране. Специализируется он на выпуске посуды из бесцветного, цветного стекла и хрустальных изделий. Техника изготовления изделий из стекла — прессование с последующей доработкой. Украшают изделия алмазной гранью, гравировкой и матовой насечкой, мелкими поясками; выпускается накладное стекло.
Орнамент изготовляемых стеклянных изделий в основном геометрический: ромбы, реже звездочки, кружочки, клетки. Форма изделий — цилиндрическая или коническая, реже шарообразная, но может быть и любой (как например, тарелки «Лист»).
Отличительная особенность дятьковских изделий из стекла — художественное своеобразие форм и отделки, ровный блеск шлифовки, переливы утонченных граней.
· 18. Расскажите о возникновении искусства вышивки.
Вышивание — один из самых распространенных видов народного искусства. Его возникновение связано с появлением первого стежка, сделанного первобытными людьми при скреплении шкуры убитого мамонта. Его возникновение связано с появлением первого стежка, сделанного первобытными людьми при скреплении шкуры убитого мамонта. Действие, первоначально предназначавшееся только для пошива одежды, постепенно приобрело дополнительное применение — декоративное. Женщины не хотели ходить в одинаковых нарядах, а поскольку разнообразие материала оставляло желать лучшего, они начали украшать свою одежду при помощи вышивки.
В разное время вышивальщицы использовали для работы льняные, конопляные и хлопковые нити, шерсть, щелк, волос, бисер, драгоценные камни, ракушки и даже монеты. Орудием вышивания в зависимости от уровня развития цивилизации были каменное шило, костяные, бронзовые, стальные и позолоченные иглы. Причем переход от примитивных орудий труда к более совершенным привел к изменению способов вышивания, появлению новых приемов, расширению границ используемых рисунков и орнаментов.
Вышивка всегда тесным образом была связана с природой, бытом и трудом человека. В ней нашли отражение не только представления об окружающем мире, художественные пристрастия, но и национальное своеобразие. Историческое наследие, дошедшее до наших дней, позволяет лучше понять особенности каждого народа, его чаяния и надежды на будущее.
На Руси исконно вышивка была одним из самых любимых видов рукоделия. Все женщины от мала до велика владели им в совершенстве. Это было связано не только со стремлением русского народа к красоте. В основе вышивки заложены стародавние обычаи и обряды. Особенно это касается вышивания крестом. Крест всегда рассматривался русичами как оберег, который способен защитить от нечистой силы, дурного глаза и прочих напастей. Вооружившись обычной иглой, мастерицы превращали простую ткань в настоящее произведение художественного творчества.
Археологами доказано, что на территории Древней Руси уже существовало и развивалось вышивальное искусство. Находки, относящиеся к IX-XII векам, служат бесспорным тому подтверждением.
В языческие времена основными изделиями, которые украшались вышивкой, являлись полотенца, простыни, скатерти, занавески и различные покрывала. Кроме того, мастерицы вышивали замысловатые узоры на рубахах, сарафанах, головных уборах. Широкое применение вышитые изделия нашли не только в быту, но и при проведении различных ритуалов. Свадебные наряды жениха и невесты, полотенца, предназначенные для убранства капищ языческих идолов, могильных крестов и священных деревьев, обязательно украшались вышивкой. Помимо этого, мастерицы создавали декоративные миниатюры, где отображали природные пейзажи, бытовые сюжеты и т. д.
После прихода на Русь христианства вышитые изделия приобрели новое значение. Украшать вышитыми полотенцами стали окна, иконы и зеркала. На всех значимых праздниках — таких, как рождение ребенка, крестины, венчание и т. д., — в качестве необходимого атрибута выступали работы рукодельниц. Существовало мнение, что вышитые изделия (особенно вышитые крестом) обладают защитной силой. Особенно ценными в этом отношении считались полотенца обыденные, то есть «об один день сделанные». Как правило, над созданием его работали несколько мастериц одновременно. Если, начав работу на рассвете, они успевали закончить ее до того, как сядет солнце, изделие считалось безупречно чистым, способным оберегать от злых сил, стихийных бедствий и различных болезней.
Мотивы, используемые вышивальщицами для своих работ, были разнообразными. Часто можно встретить изображение человеческой фигуры с поднятыми вверх руками, священного дерева, символических райских птиц и сказочных животных. В узорах и орнаментах рукодельницы скрывали особый смысл. Так, например, ромб и круг символизировали солнце, а крючковатый крест — пожелание добра и взаимопонимания
19. Рассказать о способах художественной росписи тканей.
Знакомство с батиком сыграло немалую роль в развитии текстильного производства в Европе. В конце XVII века Европу покорили своей красотой индийские набивные ткани - ситцы. Штампом с нанесенным красителем наносили удары по ткани - набивали ткань. Сначала появилась набойка в одну краску.
Существовало два способа такой печати - краской на полотно и способ кубовой набойки. Чан, в который опускали ткань с нанесенным на неё расплавленным воском, назывался кубом, отсюда и пошло название "кубовая набойка".Один из излюбленных мотивов набойки - называемые огурцы.
Художественная роспись тканей относительно молодой вид традиционного прикладного искусства России. Основой развития в XX веке этого нового направления явилась русская набойка, первоначальными мастерами которой были иконописцы.
Ручная набойка - способ оформления тканей, при котором для нанесения рисунка на ткань используются деревянные доски ("манеры") с вырезанными на них рисунками Иногда резной рисунок дополняется металлическими насечками для получения более тонких линий и точек. Количество манер соответствует количеству красок в рисунке. Рисунок наносится на ткань путем накладывания на нее смоченной в краске манеры. Для более четкого пропечатывания рисунка манера простукивается деревянным молотком (отсюда термин "набойка"). Из набивной ткани не только шили одежду, но и знамена, шатры, занавесы, церковные облачения. Русская набойка украшала крестьянскую одежду, скатерти, сарафаны и рубахи.
Существовал в старину еще один интересный способ декорировки ткани, носящий название "бандана". Отдельные части ткани перевязывались и ткань окрашивалась погружением в краску какого-либо светлого тона. Затем, после просушивания узлы или часть их развязывались, перевязывались другие участки ткани, уже окрашенные, и ткань снова погружалась в краску, на этот раз уже более темную. Когда же по окончании окрашивания развязывались все узлы, на ткани обнаруживался двух, трехцветный (в зависимости от количества погружений) звездчатый или зигзагообразный рисунок.
Техника, которая напоминает способ декорировки ткани, носящий название "бандана" - это узелковая техника.Последовательность работы узелковой техники состоит в том, что: ткань по предварительной схеме складывают определенным образом или по-разному завязывают в узлы; перевязывают прочными нитками; опускают в красительную ванну.
Под нитками, которыми связана ткань остается не прокрашенной. На остальных участках ткань окрашивается неравномерно. Получается растяжка от светлого к темному. Рисунок выполняется один - три цвета. Сначала крашение светлым тоном, затем два, три крашения более темным тоном.
При оформлении изделий в технике холодного батика применяется резервирующий состав, в основе которого имеется резиновый клей. Резервирующий состав наносится на ткань при помощи стеклянной трубочки замкнутым контуром. Участки ткани в пределах этого контура, так же как и участки фона, в соответствии с проектом заливаются краской.
При оформлении изделий в технике горячего батика в качестве резервирующего состава применяется разогретый парафин с воском и техническим вазелином. Он наносится на ткань при помощи кистей, штампов, вороночек и специального приспособления, которое вы уже все знаете, батика - штифта. После каждого покрытия краской резервирует новые участки ткани по окрашенной поверхности.
Оформление ткани в технике свободной росписи - наиболее творческий процесс.
Суть данного метода заключается в том, что способность краски в большей или меньшей степени растекаться по ткани . Если нужно произвести отработку рисунка более четко то пользуются или предварительным смачиванием ткани водой (так называемая роспись по мокрому), или раствором какого-либо загустителя (сальвитозы, траганта). Также существует соединение двух способов в оформлении тканей - холодного батика и свободной росписи. В этом случае живописное исполнение рисунка дополняется графическими разработками.
Обратите внимание как интересно можно выполнять рисунок способом аэрографии.
Аэрография - способ оформления тканей, осуществляемый при помощи пульверизаторов и других распылителей. Распыленная краска, осаждаясь на ткани, дает достаточно ровную "точечную" окраску. Отличительной особенностью этого способа оформления тканей является мягкость перехода одного цвета в другой.
конецформыначалоформыСуществует еще один вид современной художественной росписи ткани - это фотопечать, который обычно используется на фабриках. Нанесение рисунка на ткань производится при помощи специальных матриц - деревянныхили металлических рам с туго натянутым на них шелковым или капроновым ситом.
20. Развитие набойки.
Особенно широко искусство набойки было развито на Руси. Русская набойка украшала крестьянскую одежду, скатерти, сарафаны и рубахи. В Историческом музее и Музее народного искусства (Москва), в Эрмитаже и Русском музее (Ленинград), в музеях Иванова, Горького, Ярославля, Загорска, Костромы и других городов хранится множество прекрасных образцов этого вида народного искусства, датированных XVII—XIX вв. Там можно увидеть ткани, а также сами резные доски, с которых печатались рисунки.
Оба описанных способа украшения тканей существуют до сих пор.
Старинная русская набойка по своим техническим приемам была очень близка батику — разогретый резерв (различные смеси пчелиного воска, смол и других компонентов) наносился вручную на ткань при помощи так называемых квачей (тампонов), штампиков или резных досок. После застывания резерва ткань опускали в чан, как правило, с синей краской — индиго. По окончании процесса крашения ткань просушивали, удаляли резерв, после чего на синем фоне оставался белый узор. Чан, в котором окрашивалась ткань, назывался кубом; отсюда и способ этот получил название кубовой набойки.
Нередко наносили масляной краской ярко-красный горох. Эти ткани использовались главным образом для шитья сарафанов, а нередко и мужской одежды.
Позднее, в конце XVII в., научились выполнять так называемую белоземельную набойку. Рисунок в этом случае печатался резными досками по неокрашенной ткани. Количество досок соответствовало количеству цветов, образующих рисунок. Резной узор на досках часто дополнялся металлическими вставками в виде гвоздиков без шляпок, печатавших «мелкий горох», или металлических полос, изогнутых соответственно рисунку, при помощи которых узор обогащался тонким контурным рисунком, придающим ткани изящество.
Полотна, украшенные описанным выше способом, применялись не только в костюме, но и в интерьере.
В конце XIX — начале XX в. набивные ткани изготовлялись на фабриках и широко использовались не только в сельском, но и в городском интерьере. Рисунки стали разнообразнее и богаче по цветовой гамме. Приобрели известность великолепные ивановские и костромские набойки.
Мастера-рисовальщики и граверы на протяжении многовекового пути развития набойки отбирали и отшлифовывали узоры, главным украшающим мотивом которых становились цветы и листья. В каждом растении эти мастера умели найти главную декоративную характеристику, прорисовать и сколорировать узор таким образом, что он сливался воедино с тканью, не разрушая ее плоскости.
В декоративных набойках нередки были изображения сцен деревенской и городской жизни, птиц и зверей. Поражает мастерство рисовальщиков и граверов, создававших декоративные композиции, необычайно слаженные, ритмичные, где даже фон между элементами орнамента воспринимался как узор. Поэтому так настоятельно мы рекомендуем изучать
старинные образцы набойки, без постижения декоративных закономерностей которых, по существу, невозможно овладеть искусством украшения тканей.
21. Каковы отличительные особенности павлопасадских мастеров?
Мода на платки и шали пришла в Россию из Европы. Шали занимали особое место в русском декоративно-прикладном искусстве. В конце XYIII века шали привозили в Россию в больших количествах из Азии и стран Востока. В это же время подобную продукцию изготавливали в России. Первая фабрика была основана в 1745 году ивановским крестьянином Иваном Ишинским. Вслед за фабрикой Ишинского появляются мануфактуры крепостных крестьян графа Шереметева- И. Гарелина, Я. Ямановского, и многих других. С тех пор платки и шали в нашей стране являлись деталью национального костюма. Так, на протяжение всего XIX века фабрика Павловского Посада, основанная сыновьями Семена Лабзина, была одной из самых крупных по производству платочно-набивной продукции. Разработкой рисунков занимались до XX века только мужчины. Вообще, русские мастера не копировали восточный орнамент, а предлагали новую трактовку классических, восточных сюжетов. В 1950-е годы Была организована мастерская, несколько галантерейных фабрик в Москве и Ленинграде. Одной из крупных фабрик, занятой в выпуске изделий с росписью ткани, была Мытищенская фабрика. Ныне не существующая.
Павловские платки периода 1860-1870-х годов стилистически мало отличались от платков московских мануфактур, которые преимущественно декорировались так называемым "турецким" узором, стилистика которого восходит к тканым восточным шалям. Этот узор наиболее характерен для русских тканых и набивных платков 1-ой половины XIX века. Он предполагает использование определенных орнаментальных мотивов в виде "боба" или "огурца", геометризированных растительных форм.
Во 2-ой половине XIX в. изображение цветов, причем в несколько натуралистической трактовке, было очень модным. Вероятно, это было обусловлено свойственными всей эпохе историзма романтическими тенденциями связи человека с живой природой. Предпочтение цветочным мотивам отдавалось в вышивке, кружеве, тканях. Букетами цветов декорировали фарфор, жостовские подносы, их изображения стали появляться в росписи интерьеров. Так что в украшении шалей цветами проявилось стремление павловских мастеров сделать модный товар, который будет пользоваться спросом у покупателей.
Рисунки шалей 1870-х - 1880-х годов очень разнообразны и говорят о высоком профессионализме художников фабрики. Композиции платков тех лет решались пышно, торжественно, или, напротив, легко и изящно. В их декоре, наряду с цветочными, использовались орнаментальные мотивы стилей предшествующих эпох: стилизованные ветви, завитки, условно решенные вазоны, фестончатые ленты в сложных разворотах. В изображении цветов предпочтение отдавалось садовым, в первую очередь, розам и георгинам.
Конец XIX - начало XX в. можно рассматривать как время окончательного сложения стиля павловского платка. Особой популярностью в эти годы пользовались шали двух типов. К первому относятся шали из тонкой полупрозрачной шерсти с шелковыми просновками или без них. Узор таких шалей набивался на кремовом или цветных грунтах, чаще всего черном или красном. Орнамент включал объемное изображение цветов, собранных в букеты, гирлянды или разбросанных по полю платка. Иногда цветы дополняли тонкими орнаментальными полосками или небольшими элементами стилизованных растительных форм. Отличительной особенностью павловских платков была безупречная гармония в подборе цветовых сочетаний и отдельных элементов декора
Второй тип павловской шали, сложившийся в то время - это шали из плотной шерстяной ткани. Их отличает характер набойки, колорит, построенный на сочетании немногочисленных ярких красок с преобладанием красного цвета, и, конечно, рисунок. Букеты цветов на таких платках, как правило, заключены в различной формы медальоны из вытянутых "огурцов" или тактично дополнены вписанными в композицию платка геометрическими фигурами из орнаментальных полос или цветочных гирлянд. Композиционно акцент делается на угол платка, узор заполняет почти всю поверхность ткани, оставляя свободной в центре небольшую фигуру средника.
С середины 1920-х годов традиционный цветочный орнамент получает несколько иную трактовку. Цветочные формы в эти годы укрупняются, обретая порой почти осязаемую объемность. Колорит платков строится на ярких контрастирующих сочетаниях красных, зеленых, синих и желтых красок.
Рисункам послевоенного периода свойственна декоративная насыщенность, более плотная скомпонованость цветочного узора. Цветовая и композиционная наполненость рисунка со сложными светотеневыми разработками соответствовала общей тенденцией развития прикладного искусства тех лет.
В последнее десятилетие проводится работа по восстановлению рисунков старых павловских шалей. Создание новых рисунков ведется в двух направлениях. Наряду с развитием классической линии появились новые, современные рисунки, учитывающие общеевропейские тенденции развития платка. В соответствии с модой и стилем времени меняется цветовой строй изделий. Колористическая гамма строится на гармоничном сочетании сближенных тонов с преобладанием бежевых, охристых, коричневых и зеленоватых.
22. Рассказать о возникновении искусства узорного ткачества.
Всю историю славянского ткачества можно рассказать по предметам крестьянского быта. Наиболее распространёнными видами народного бытового искусства были вышивка, узорное ткачество, вязание, резьба и роспись по дереву, обработка бересты и металла. Такое многообразие форм изобразительного творчества обуславливалось самой жизнью народа. Условия натурального хозяйства заставляли создавать домашнюю обстановку,утварь, орудия труда и одежду своими руками. Эти вещи сопровождали его в течение всей жизни, а потому понятно, что крестьянин стремился делать не только полезные и удобные, но и красивые предметы.
Высокого уровня развития достигло среди славян искусство узорного ткачества. На примитивных ткацких станах они вырабатывали гладкие полотна и прекрасные по своим художественным достоинствам рисунчатые ткани. Часть узорных изделий украшала одежду, другая - крестьянский интерьер. Материалом служили льняные нити. Зачастую к льняной добавляли конопляную или шерстяную нить.
Узоры орнамента создавались благодаря использованию различных приемов переплетения нитей в самой ткани.
Наиболее простой и распространённый способ орнаментации применялся у славян в пестрядинных тканях с полотняным переплетением. Эти ткани использовались для будничной одежды - мужских и женских рубах, сарафанов. Узоры пестряди для одежды были в клетку, полоску, очень сдержанной расцветки. Преобладали голубые, серые, сиреневые тона, перекликавшиеся с колоритом окружающей природы. Иногда в тканях с добавлением шерстяной или конопляной нити использовались яркие и сочные цвета: красный, коричневый, розовый и другие.
Праздничную одежду, в частности женские рубахи, шили из холста белого цвета, подолы украшались красной полосой тканого узора. Общий колорит и подбор тонов в традиционной одежде свидетельствуют об удивительном вкусе и чувстве гармонии у славянских мастериц.
Тканые узорные полотенца, подзоры и женские рубахи изготовлялись браной двухуточной техникой тканья. Техника браного двухуточного тканья не отличается особой сложностью, но она очень трудоёмка и требовала от ткачихи большого внимания - малейшая оплошность при отсчёте нитей вызывала искажение всего рисунка.
Техникой тканья обуславливался характер браных узоров и их композиционный строй. На подзорах и полотенцах узоры располагались строгими горизонтальными рядами, с преобладанием трёхчастных композиций : срединной широкой полосы и бордюров, симметрично обрамляющих центральную кайму. Многоярусными композициями украшали особенно нарядные - дарственные полотенца.
Несмотря на небольшой круг исходных мотивов, тканые узоры чрезвычайно разнообразны по общему виду, что достигалось благодаря различным комбинациям и перестановке фигур. Даже простое удлинение или укорочение геометрических фигур создавало новый орнамент.
Ткацкие станки древних славян были сделаны из толстых брусьев станины и поднёбника. На последнем крепятся все подвижные его части: рамы нитянок - ремизок с петлями из льняных ниток. В петли одной из рам продеваются чётные нити основы, в петли другой рамы - нечётные. Через подвижные блоки, привязанные к поднёбнику, пропускают веревки, соединяющие подножки с ремизками. Наступить на одну из них -поднимается чётная группа основы, на другую - нечётная.
Сам метод ткачества появился ещё в каменном веке. Первоначально ткацкий станок был вертикальным (сохранились до наших дней у некоторых индейских племён; используется для ковроткачества). Повсеместно для ткачества использовались разного рода ручные приспособления (дощечки, бёрдышки). Позднее был изобретён горизонтальный ткацкий станок. ВСредние века эта профессия не пользовалась большим уважением. В странах Европы распространённым сырьём для пряжи были шерсть и лён, а также импортируемые из Азии хлопок и шёлк. Появление ткацкого станка позволило производить ткани высокого качества. Тем не менее, эпоха индустриализации положила конец этой ранее распространённой профессии. Многие ткачи были повергнуты в нищету, став одними из первых, кто почувствовал на себе негативные последствия индустриализации. Именно ткачи бунтовали против массового внедрения станков и замену мануфактур и надомных ткачейфабриками (луддиты). Этой теме посвящена драма Герхарта Гауптмана «Ткачи» («Die Weber», 1892), рассказывающая овосстании ткачей в Силезии.
В наше время основная часть тканей производится промышленным образом. Ручное ткачество встречается только в прикладном искусстве и изделия нередко предлагаются на ярмарках и в сувенирных магазинах. В странах Третьего мира, однако, всё ещё существует много ткачей, зарабатывающих своей профессией на жизнь.
23Дать определение-
Кружево – это сетчатая сквозная ткань, которая состоит из сплетения нитяных узоров, образующих разнообразные орнаменты, листья, цветы, изображение зверей и птиц, а также целые бытовые сцены, которые характеризуют определенную эпоху. Отличительной чертой любого вида кружева являются дыры между нитками, который, собственно, образуют узор. Кружево применяется в оформлении одежды, в частности женского белья, и интерьера (декоративные панно, скатерти, тюли).
24. История развития ручных кружев и кружевных изделий?
Кружево является одним из видов текстильной продукции, однако в специальной литературе нет точного определения этого понятия. Специалисты считают, что с появлением новых способов получения кружев их главными признаками являются:
текстильный характер кружева, т. е. использование для его изготовления текстильных нитей любой структуры;
исключительно декоративный характер использования (как отдельных изделий, так и самих полотен);
отдельные участки кружевных изделий имеют различную степень разрежения, что создает определенный эффект света и тени.
История появления кружев в Западной Европе. Кружева появились в Западной Европе на рубеже XV—XVI вв. Какая именно страна является родиной кружев, ученые не установили: на приоритет претендуют Италия и Нидерланды. Первое кружево шилось иглой, петельным швом и называлось поэтично — «стежок в воздухе». Но было оно далеко не воздушно: шили его золотыми или серебряными нитками по узору, нарисованному на специально обработанной телячьей коже. Таким кружевом украшали одежду из тяжелых бархатных, шелковых или шерстяных тканей.
К концу XVI — началу XVII в. в моду вошел гипюр — кружево, составленное из шитых иглой или сплетенных на коклюшках фрагментов, скрепленных тонкими связками. Особенно славился и ценился венецианский гипюр с богатым растительным орнаментом, с крупным рельефным рисунком.
В XVI в. по изготовлению кружев первенствовала Италия. Затем ее опережает Фландрия, где центром производства кружев был Брюссель. Любопытно, что во многих странах брюссельские кружева были известны под названием «англетер», т.е. английские. Это объяснялось тем, что английский парламент, как большинство правительств, запрещал ввоз в страну брюссельских кружев, которые по качеству были лучше местных. Но купцы провозили брюссельское кружево контрабандой, выдавая его за английское.
Брюссельские кружева, выполненные на тюле, отличались необыкновенной тонкостью. Одним из самых изящных видов кружева считался бенш, названный так по имени города, в котором он производился. У этого кружева красивый узор сетки фона, напоминающий легкие снежинки. Похожее на бенш кружево плелось и в близлежащем Валансьенне. Но в XVII в. Валансьенн был завоеван Францией, и тончайшие кружева на тюлевой сетке — валансьенн — стали считаться французскими.
Ручное производство кружев не могло полностью удовлетворять потребность в них, поэтому в XVIII в. в странах Европы велись поиски способов механизации их производства. Первым достижением на этом пути можно считать появление тюлевой (бобинетовой) машины, которую изобрел англичанин Хеккот в 1808 г. Сразу после появления тюля машинной выработки на нем стали выполнять вышитые рисунки.
Создание тюлевой машины было началом появления целого семейства бобинетовых машин, развитие которых достигло своей вершины в конструкции многочелночной машины, названной по имени ее изобретателя «ливере». Оборудованная в 1835 г. жаккардовым аппаратом машина «ливере» позволяла получать на тюле маленький рисунок.
Крупным производителем машинных кружев в XIX в. стал сначала г. Ноттингем в Англии, а немного позже — французский Кале. Затем фабрики бобинетового кружева появились в Саксонии, прежде всего в Лейпциге, Дрездене, Фалькенштейне.
Потребность в гардинах с разреженной структурой, которые хорошо пропускали бы свет, привела к появлению крупногабаритных гардинных машин. Таким образом, в XIX в. появилась возможность производства гардинного тюля.
Стремление получать для декорирования окон полотна с большой светопроницаемостью и более крупным размером раппорта привело к созданию многочелночной гардинной машины. Изготавливаемые на этих машинах полотна отличаются большим разнообразием переплетений с различной плотностью застила.
Однако многочелночные гардинные машины, основанные на принципе плетения, обладали большим размером и недостаточной производительностью.
Появление вязальных машин позволило получать ажурные полотна разнообразных переплетений и увеличить скорость вязания.
Первая основовязальная машина была сконструирована в 1859 г. англичанином Рейгейтом. Именно она явилась прототипом созданной позднее рашель-машины. Эта машина с язычковыми иглами с технической точки зрения должна называться «плоская однофонтурная основовязальная машина с язычковыми иглами». Однако своим названием, принятом во всем мире, она обязана французской актрисе Фелис Рашель, любившей носить изготовленные на этой машине шали и тем самым способствовавшей популярности таких изделий.
Вышивка, издавна служившая для украшения тканей, стала широко использоваться и для изготовления кружев. Современное швейное оборудование с компьютерным управлением позволяет расширить ассортимент вышитых кружев.
История появления кружев в России. Первые русские кружева изготавливались из золотых или серебряных нитей. Кафтаны, камзолы и другую парадную одежду русской знати, обшитую этим кружевом, можно увидеть в Историческом музее и в Оружейной палате. Позже (в начале XVII в.) появились и более дешевые кружева из льняных нитей. Примерно в то же время появилось кружево, плетенное на коклюшках.
Постепенно, к XIX в., в России стали складываться кружевные промыслы, где работали тысячи мастериц: в Вологде, Ельце, Рязани, Вятке. В каждом из них выявились свои приемы, свой стиль, по которым можно было безошибочно определить изделия того или иного промысла. Вологодские кружева, например, отличались строгим ритмом, декоративностью рисунка, выложенного
широкой плотной лентой. Елецкие кружевницы делали ленту-вилюшку разреженной, с особенно плавными, закругляющимися сегментами узора. Рязанское кружево обычно было цветным, красные нити сплетались с желтыми и синими. (В настоящее время отличительные черты различных промыслов сгладились, и почти везде можно обнаружить в кружевных изделиях близкие орнаментальные мотивы.)
В России тюль начал изготавливаться в 1837 г. в Петербурге, а машинные кружева — в 1889 г. в Москве.
25. Какова техника изготовления ручных кружев и кружевных изделий?
По сравнению с гардинно-тюлевыми полотнами кружева более разнообразны по применяемому сырью и способам изготовления.
Машинные кружева изготавливаются из полиэфирных, полиамидных, вискозных нитей, иногда из хлопчатобумажной пряжи. В современном ассортименте кружев, за очень редким исключением, не используются металлические золотые и серебряные нити, вместо них применяются металлизированные пленочные нити.
Особенностью изготовления кружев является использование нитей повышенной крутки и небольшой линейной плотности. Слабокрученые нити не позволяют получать четкие формы рисунка кружева. Тонкие нити придают кружеву легкость структуры и нежность рисунка. Выбор сырья для изготовления кружев в определенной степени зависит от моды. Хотя основная доля кружев изготавливается из отбельных нитей, что придает кружевам особое благородство, мода последних десятилетий благосклонна к цветному кружеву.
Возможности оформления рисунка существенно расширяются за счет использования нитей различного цвета, структуры и линейной плотности, что особенно успешно может быть реализовано в ассортименте машинных кружев.
Машинные способы изготовления кружев. Для массового производства кружевных изделий используются многочелночные кружевные машины, плетельные коклюшечные машины, позволяющие изготавливать кружево, напоминающее ручное с несложным рисунком; основовязальные многогребенчатые машины типа а также вышивальные автоматы.
Наиболее сложные художественные рисунки получают на многочелночных кружевных машинах из двух (основа и уток) или трех (основа, уток и узорообразующая) систем нитей. Получение кружев на этой машине основано на кручении нитей, перевивающихся в определенной последовательности, и связывании их узлами. Узор кружев на кружевной машине в отличие от гардинной создается в результате определенного перемещения нитей основы. Возможности узорообразования кружевной челночной машины определяются наличием аппарата Жаккарда. Заправочная ширина кружевной челночной машины 5— 7 м, что позволяет изготавливать в виде сплошного полотна одновременно от 50 до 200 полос кружев, соединенных между собой специальными (вытяжными) нитями, которые удаляются после отделки полотна.
Многочелночные кружевные машины позволяют изготавливать кружева не только разной ширины, но и различной плотности и толщины, что определяется классом машины: класс машины (в зарубежной литературе — бар) характеризуется числом уточных нитей, приходящихся на 12,7 мм (0,5 дюйма) полосы кружева по горизонтали.
На машинах 9-го класса и выше изготавливают тонкие кружева. Для их изготовления используют в основе нити правой и левой крутки, нити утка имеют слабое натяжение, поэтому кружево получается более мягким. Эти машинные кружева по месту их первоначального изготовления получили название валансьенн и малин.
На машинах 8-го класса изготавливают более плотные рельефные кружева. Узорообразующие нити, обычно более высокой линейной плотности, рельефно очерчивают узоры. На этих же машинах изготавливают рельефное кружевное полотно.
На машинах 7-го класса изготавливают плотные кружева, похожие на ручные. Узор этих кружев рельефно не выступает и напоминает ручные плетеные сколочные кружева с рисунком в виде геометрических фигур. На многочелночных кружевных машинах изготавливают и кружевное полотно, которое напоминает по рисунку узоры кружев.
Плетеные кружева изготавливают на плетельных коклюшечных машинах, работающих по принципу, аналогичному ручному плетению на коклюшках. Это позволяет плетельной машине с успехом вытеснять ручное плетение, но только в области кружев с простым геометрическим рисунком. Машинное плетение приобретает все большее значение, так как при дороговизне и малом объеме выпуска ручных кружев спрос на высококачественные декоративные изделия может быть удовлетворен только посредством машинного производства, тем более что принципиально отличить плетеные кружева машинного и ручного производства невозможно, так как способ плетения у них один и тот же. Однако следует отметить, что с помощью машинного плетения невозможно изготовить сложные, в частности флоральные, рисунки.
Вышитые кружева и гипюрное полотно изготавливают на вышивальных машинах-автоматах, которые имеют иглы и челноки по типу швейных и рамку для закрепления ткани. Рамка движется с помощью аппарата Жаккарда, который и определяет сложность рисунка. Для вышивки используют тонкую хлопчатобумажную или хлопкополиэфирную пряжу, либо вискозные или полиэфирные блестящие нити. В композицию рисунка этих кружев входят просеченные отверстия с плотно обметанными краями, и чем их больше, тем лучше считается кружево. Для изготовления кружев используют вышивальные автоматы 4-го и 6-го классов. Класс машины определяется шириной раппорта рисунка по длине куска; для машин 4-го класса ширина раппорта (26 ± 1,5) мм, а для 6-го класса (40 ± 2) мм.
Изготавливают вышитое кружево (шитье) по батисту, перкалю, полульняному полотну, полотну из смесовой хлопкополиэфирной ткани. В кружеве вышивка должна занимать ²/₃ ширины ткани. На таких же вышивальных автоматах изготавливают вышитое кружевное полотно.
Кроме тканей для вышивки может быть использован тюль. В этом случае рисунок представляет собой вышивку, напоминающую гладь, в которой отсутствуют просечки. Для усиления декоративности в вышивке могут быть использованы металлизированные нити.
Ручные способы изготовления кружев. Кружева ручной работы могут быть изготовлены плетением, узловязанием, вышивкой.
Плетение является наиболее распространенной техникой изготовления ручных кружев. Техника плетения довольно разнообразна в зависимости от применяемых приспособлений, что позволяет изготавливать высокохудожественные изделия. Наиболее известный способ плетения — коклюшечный. Иногда только коклюшечные кружева называют плетеными.
Для изготовления этих кружев используют специфический инструмент — коклюшки, представляющие собой деревянные шпули с шейками, на которые наматываются нити. В процессе плетения участвует большое количество нитей, сплетаемых в различных направлениях: горизонтальном и вертикальном, как при ткачестве, в диагональном под различными углами. Нити могут пересекаться, перевиваться и перекручиваться. Технология плетения кружева основана на двух приемах: перевивке и сплетении, в результате чего можно получить пять основных видов переплетений: плетешок, насновка, полотнянка, сетка и решетка, или тюлевая сетка.
Кружева ручного производства представлены в нашей стране в основном плетеными коклюшечными. По способу получения рисунка они подразделяются на численные и сколочные.
Численные — самые простые кружева с несложным рисунком.
Более сложное кружево называется сколочным, так как для его получения необходим заранее подготовленный рисунок — трафарет, наколотый на бумагу (сколок). Сколочное кружево делится на парное (или многопарное) и сцепное.
Парное кружево получается путем одновременного плетения фона и узора до получения готового куска мерного кружева. Узоры такого кружева обычно расположены симметрично. Используя основные элементы плетения в разных сочетаниях, кружевницы создают разнообразные узоры, как реалистические, так и условные: звездочки, елочки, ромашки и т.д. Для оформления кружева или края используют велюшку — сетку или полотнянку зигзагообразной или волнистой формы.
Сцепное кружево в отличие от парного выполняется определенными элементами, которые затем с помощью вязального металлического крючка связывают редкой сеткой до получения готового изделия. Рисунки сцепных кружев обычно заимствованы из природы. Чаще всего сцепная техника применяется для изготовления штучных кружевных изделий.
Широко известны ручные кружева, получаемые узловязанием (макраме и фриволите).
Макраме — один из старейших видов кружева, технология изготовления которого представляет собой завязывание узелков в сочетании с элементами плетения. Узоры этого кружева в основном геометрические, и их зрительное восприятие зависит от перерабатываемого материала, в качестве которого используют различные шнурки (сплетенные или вязаные), бечевку и т.д.
Для изготовления фриволите используют специальный челнок, состоящий из двух дугообразных пластинок, соединенных посередине стерженьком, на который наматывается нить. Кружево фриволите не имеет изнаночной стороны. Его рисунок прост, но изящен, четок и имеет характер филигранного. Основные его элементы — кружочки и дужки из узловых цепочек.
Во многих странах Востока, а также Западной Европы — в Италии, во Франции, в Испании было распространено и гольное, или вышитое, кружево, которое предшествовало плетеным коклюшечным кружевам. В настоящее время все виды ручных кружев, кроме коклюшечных, являются предметом лишь домашнего рукоделия.
Отделка кружева и кружевного полотна. Зависит от способа изготовления и применяемого сырья и может включать в себя крашение (для гладкокрашеных кружев), отварку, промывку, аппретирование, сушку и ширение. Специфической операцией, предшествующей отделке машинных кружев, является штопка.
26. Виды кружев и кружевных изделий?
Отечественные кружева подразделяются на вологодские, кировские (вятские), елецкие, киришские и михайловские.
Кружева всех указанных районов, имея много общего, свойственного всему русскому кружеву, отличаются техникой плетения и характером узора.
Для вологодских кружев характерен укрупненный растительный орнамент из условно изображенных цветов и листьев. Узор плавно переходит из одной формы в другую, каждый элемент узора окружен велюшкой, выплетаемой плотной полотнянкой. Расположенный на фоне прозрачной решетки такой узор приобретает особую рельефность.
Кировские (вятские) кружева отличаются простотой и строгостью. В орнаменте используется множество декоративных элементов: «глазочки», «жучки», «дырочки» и т.д. Велюшка местами то сужается, то расширяется и переходит из более плотной в более редкую, местами в ажурную. Орнамент этих кружев состоит из цветов и листьев, часто остроконечной формы в сочетании с розетками, звездочками и веточками. Края кировских кружев часто заканчиваются петельками «пико» с острыми зубцами.
Елецкие кружева наиболее легкие, изящные и воздушные. Велюшка на всем протяжении имеет разную плотность, местами — более редкое плетение, иногда переходящее в решетку. Именно этот прием плетения придает елецкому кружеву легкость и прозрачность. Рисунки состоят из условно изображаемых колосков, веток, цветов, жемчужин и т.д. Для выделения рисунка по его контуру иногда применяют более толстые нити.
Киришское, или захожеское, кружево наиболее полно сохранило характер и традиции старинного кружевоплетения. В этом кружеве отсутствуют скань и сетка. Полотнянка плетется более рыхлой, обязательно одной ширины на всем протяжении орнамента и украшается плешковыми зубчиками на краю. Основным узором киришских кружев является «медвежья лапа», в которой велюшка своими извивами образует форму орнамента, заканчивающуюся пятью фестонами, напоминающими как бы широко расставленные пальцы; середина этой формы заполняется решетками из насновок.
Михайловские кружева плетутся в основном численными, без сколка. Рисунок состоит из несложных геометрических фигур. Обычно для Михайловских кружев используют более толстые хлопчатобумажные нитки, часто в сочетании черного и красного цветов. Применяются Михайловские кружева для отделки столового и постельного белья.
27. В чём отличительные особенности вологодских, елецких кружев?
Вологодское, Елецкое, Кировское, Михайловское кружево
Вологодское кружевничество, как промысел, существует с 1820 года. Официальным исследованием (С.А. Давыдовой) установлено, что во времена крепостного права во всех значимых помещичьих усадьбах губернии находились кружевные «фабрики», поставлявшие кружевные изделия в Санкт-Петербург и Москву. И одна из таких фабрик была основана помещицей Засецкой в трех верстах от Вологды в селе Ковырино не позднее 20 годов XIX века. Там крепостные выплетали тончайшее кружево для отделки платьев и белья, подражая западноевропейским узорам. Со временем из помещичьих мастерских плетение кружев переместилось в народную среду и стало одним из видов народного искусства, отражавшего запросы и вкусы широких кругов местного населения.
В настоящее время Вологодское кружевное предприятие по-прежнему является ведущим в числе традиционных промыслов России. Вологодские кружева отличаются резким делением на фон и рисунок, крупными выразительными формами, извилистым контуром. Орнамент кружевных изделий чаще всего геометрический - решетки, составленные из сквозных шестигранников, кругов, квадратов. Рисунки кружев имеют своеобразные народные названия: денежки, паучок, пуговка, березка. Вологодские мастера используют также растительные узоры. Часто для придания рисунку рельефности вплетается утолщенная нить - скань. В изделиях, выпускаемых объединением, используется около 400 разнообразных рисунков.
Елецкие кружева известны в России с конца XVIII века. Именно тогда здесь, в Ельце, возник один из центров, где россияне начали активно осваивать это пришедшее к нам из Европы искусство.
Центр кружевного промысла, возникновение которого восходит к началу 19 в., - г. Елец (Липецкая обл.). Елецкое кружево плетётся на коклюшках, преимущественно из белых катушечных ниток, реже из льняной, шёлковой (а с середины 20 в. и синтетической) пряжи. Отличается мягким контрастом мелкого узора (растительного и геометрического) и тонкого ажурного фона.
Елецкие кружева более тонкие и легкие, чем вологодские. Полотнянка елецких кружев -- изменчивая по плотности и ширине, часто переходит в ажурные разработки. Но иногда решетка по плотности мало отличается от вилюшки, и нет здесь такого контраста, как в вологодском кружеве. Своеобразие ряда елецких кружевных изделий -- в сочетании разной плотности плетения в одних и тех же элементах, что придает им как бы светотеневую игру и создает впечатление некоторой объемности узора. Специфика крупных елецких штучных изделий и в построении композиции центрального поля из отдельных элементов -- розеток или квадратных фигур, которые, ритмично повторяясь, отвечают орнаменту края и как бы рельефно выступают на плотной узорной решетке фона. Иногда в одном орнаменте решетки имеют разный рисунок, сочетая сцепную технику с парной. В этом -- одна из выразительных особенностей елецкого кружева. Для кружевных решеток Ельца тоже характерны мотивы снежинок, морозных узоров, с которыми часто ассоциируется белое кружево разных центров.
Особенностью Елецкого кружева является необычайная тонкость и изящество узора. Для него типичны очень легкие и воздушные решетки, соединяющие узор; растительные мотивы имеют черты особой прозрачности. Более разнообразным в последнее время стал цвет кружев. С давних пор в Ельце выполняют черные косынки, в которых рисунок растительного характера хорошо вписывается в трехугольную форму вещи. Многие Елецкие кружевные изделия выполняют в сером цвете, что придает изделиям еще большую легкость и элегантность.
Вятские кружева появились в начале XVIII века. Во второй половине XIX века промыслом занималось многочисленное крестьянское население, заказы поступали из Петербурга. Кировские кружева отличаются большим изяществом, легкостью, прозрачностью. В кировских кружевах встречаются мотивы, близкие к вологодским и елецким, но здесь они приобретают особый, местный колорит. Для кировских кружевных изделий характерно разнообразие узоров, переходящих из плотного плетения в сетку, паучки, узорную тесьму с ажурным рисунком. Узоры кружев кировских мастериц отличаются легкостью и носят растительный характер, часто цветы и листья имеют остроконечные формы. Ассортимент кировских кружевных изделий сходен с ассортиментом вологодских и елецких изделий.
Михайловское. Начиная с ХVIII в. в г.Михайлове сформировался центр кружевоплетения и сопутствующая ему художественная вышивка. В среде крестьян сел Стрелецкие Выселки, Виленки, Новопанское, Пушкари, Прудская, Козловка, Щетиновка, Рачатники и Николаевка, выселившихся из посадов Михайловской крепости и не знавших крепостного гнета, возникло кружевоплетение. Это кружево оригинально. В нем нет цветочных, растительных и животных мотивов, которые широко распространены в других районах России. Узор кружева, строгий и геометричный, стал основой этого уникального, единственного в своем роде художественного промысла. Плотное, почти без ажурного фона плетение напоминает полотно, полученное на ткацком станке. Жизнерадостность кружева - в многоцветьи красок: от сочетаний красного и белого до красного с черным. Красный цвет - особый в русском искусстве и в кружеве, как основной, утвердился только в Михайлове.
Кружева Рязанской области значительно отличаются от кружев, изготовляемых в других областях, как по технике плетения, так и по характеру рисунка. Выполняются они в простой технике численного плетения, сохраняя старинный характер рисунка и расцветки. Кружевам Михайловских мастериц присущи несложные кружевные узоры, которые носят народные названия: бубенцы, мыски и т.п. В богатую расцветку Михайловских кружев, кроме белых и серых, входят красный, синий, желтый и другие цвета. Для Михайловских кружевных изделий характерно также сочетание кружева с вышивкой.
28. В чём отличительные особенности кировских, михайловских кружев?
Понятие "кружево" включает в себя три основных вида техники. Это шитье иглой, плетение на коклюшках и вязание на прутках и крючком. Но, не смотря на такую классификацию, кружевом может считаться только шитье и плетения. Потому что вязка, на самом деле, представляет собой отдельный технический вид, который отдаленно напоминает шитье и плетение. В России широкое распространение получило кружево, исполненное плетение на коклюшках, в последствии став новым видом декоративно-прикладного искусства. В свою очередь шитое кружево на территории России практически не применялось.
Кружевоплетение по праву является одним из самых изысканных видов прикладного искусства. Большинство историков сходятся во мнении, что плетение на коклюшках впервые появились на Западе Италии в 15 столетии, а уже после этого получило распространение по всей Европе. Одними из самых крупных и древних центров кружевоплетения, кроме Италии, считаются Испания, Фландрия и Франция. В России же до второй половины 17 столетия кружево не производилось, а привозилось из других стран. Собственное же кружевоплетение в России появилось к концу 17 столетия в царицыной мастерской палате в г. Москве, в домашних мастерских, княжеских светлицах.
Наряду с этим плетение было известно на Руси еще очень давно, в период средневековья. Многие памятники искусства и архитектура того времени были украшены разного рода плетенками. К сожалению, очень немногие образцы нитяного плетения того времени сохранились по сегодняшний день. Но все же есть исключения. Например, образец, которых хранится в Суздале. Предположительно он был изготовлен еще в 12 столетии и представляет собой петли для рубахи. Интересен тот факт, что орнамент этого образца очень схож с узором резного пояска на Дмитровском соборе в г. Владимир.
Также науке известны несколько образцов, которые были выполнены техникой плетения на коклюшках. Это прошва и края платков и полотенец, которые датируются 60-ми годами 17-го столетия и были изготовлены мастерицами царицыной мастерской города Москва. Также известно, что супруга князя Луговского – Мария Луговская имела свою золотошвейную мастерскую в городе Ростове во второй половине 17 столетия. До настоящего времени сохранилось несколько работ этой мастерской, которые выставлены в собрании Ростовского музея.
Ростов может по праву считаться одним из самых древних центров кружевоплетения. Об этом также может свидетельствовать тот факт, что на территории всей области процветали такие отрасли как выращивание и обработка льна, который, как известно, используется в качестве материала для кружевоплетения. Как выглядели изделия 18 века не известно, так как до наших дней они не сохранились.
В конце 18 начале 19 веков Ростов был городом купеческим. Большую часть населения города занимало купеческое сословие. И одним из немногих занятий купеческих жен, которые вели затворнический образ жизни, было рукоделие, а в частности кружевоплетение. Об этом свидетельствует рукописное художественное произведение «Сын купца», которое храниться в ростовском музее-заповеднике, его архиве. Не смотря на то что, произведение художественное, прочитав его можно с легкость понять, что речь идет именно о Ростове, хотя автор и изменил название города. Также содержательная часть этой работы говорит читателю о том, что сколки для изготовления кружев брались у игуменьи местного женского монастыря. Такой женский монастырь существовал и существует по сей день в Ростове и носит название Рождества Богородицы. Судя по архивным записям монастыря можно сделать вывод, что здесь действительно плели кружевные концы полотенец. А в качестве материала для этих полотенец использовали льняные нити.
Сохранившиеся до нашего времени образцы кружева того периода свидетельствуют об уровне мастерства ростовских кружевниц. Эти кружева выполнены из тончайших льняных ниток, изысканы по рисунку и отличаются безупречностью исполнения. Отличительной особенностью ростовского кружева является традиционная оригинальная фоновая решетка, которая образована изящными ажурными крестами. В последствии в литературе можно встретить название такой решетки – «Ростовская решетка» или решетка «Ростовский крест». Позже этот элемент начал использоваться воспитанницами Мариинской практической школы кружевниц, которая была открыта в Петербурге в 1883 году, и уже после этого получил широкое распространение.
Кружево также высоко ценилось и в крестьянской среде. Если раньше ремесленников такого профиля можно было пересчитать «по пальцам», то сейчас конкуренция была просто огромная. А крестьянину дополнительный заработок никогда бы не помешал. Кружевоплетение для крестьянина было очень удобно, ведь оно не отвлекало его от сельских и домашних дел, избавляло от необходимости поисков заработка вдали от дома и семьи, помощь могли оказывать даже самые юные члены семьи. В основном кружевоплетением занимались женщины, но иногда к ним на помощь могли прийти мужчины и сыновья. Девочек в некоторых губерния зачастую начинали обучать этому ремеслу с пятилетнего возраста.
Посредством земских организаций правительство России всячески поддерживало промысловую деятельность населения страны. Для этого оно оказывало содействие по созданию складов со сколками и образцами кружев, специализированных школ и курсов по обучению кружевоплетению. Опыт Мариинской школы показал, насколько сложным и кропотливым процессом является кружевоплетение, тем самым, подчеркнув ценность труда мастериц.
Коклюшное кружево, которое шло на продажу, делилось на два вида: штучное и мерное. Изделия из штучного кружева (покрывала, скатерти, занавески, шарфы, салфетки, воротники и прочее) требовали от мастерицы повышенного уровня мастерства. Мерное же кружево (ажурная лента с прямыми или волнистыми краями) использовалось в качестве украшения разнообразных изделий из ткани. Такое кружево имело много общего с фабричными изделиями, но, не смотря на это, по своим декоративным свойствам оно было богаче штучного, и ширина изделий была разнообразнее (свыше 15 см). Такие преимущества смогли намного расширить сферу его применения.
Наряду с классификацией кружева по технике изготовления (численное, сцепное и многопарное), его начали различать по месту производства. В 19 столетии в России появились крупные кружевные промыслы – Вологда, Рязань, Ельц, Тула, Новгород и другие. По тому, как было исполнено каждое отдельно взятое изделие, можно было определить, где оно было изготовлено.. В настоящее время таких промыслов практически не осталось, к самым извесным из них можно отнести Вологодский, Кировский, Елецкий и Михайловский промыслы.
Вологодское кружево
Как промысел, кружевничество в Вологде, существует с 1820 года. Исследования Софьи Александровной Давыдовой показало, что практически во всех крупных усадьбах губернии во времена крепостного права располагались так называемые «фабрики» по производству кружев. Изделия, изготовленные крепостными крестьянами на таких фабриках, поставлялись в Москву и Петербург. Основательницей одной из таких фабрик была помещица Засецкая, открывшая ее в селе Ковырино в трех верстах от Вологды в начале 19 столетия. Здесь крепостными мастерицами изготавливалось тончайшее кружево, которым в последствии отделывались платья и белье московских и петербургских аристократов. Со временем кружевоплетение перекочевало из мастерских в народную среду и стало одним из видов народного искусства.
В 1960 году в Вологодской области были образованы пять кружевных фабрик: Вологодская, Кубено-Озерская, Сокольская, Усть-Кубинская, Грязовецкая. Создание этих фабрик было связано с упразднением промышленных коопераций и передачей артелей в государственную систему – местную промышленность. В число ведущих традиционных промыслов России входит созданное в 1964 году Вологодское специализированное кружевное объединение «Снежинка».
В настоящее время Вологодское кружевное предприятие продолжает успешно функционировать, и по-прежнему занимает лидирующие позиции в числе традиционных промыслов России.
В настоящее время отличительными особенностями Вологодских кружевных изделий являются резкое деление на фон и рисунок, крупные выразительные формы, извилистые контуры. Орнамент, изображенный на кружевных изделиях зачастую геометрический – это решетки, которые составляются из сквозных кругов, квадратов и шестигранников. Рисунки на кружевах получили своеобразные народные названия, например, паучок, березка, денежки, пуговка и так далее. Также Вологодскими мастерами могут быть использованы растительные узоры, но это встречается несколько реже. В изделиях, выпускаемых Вологодской кружевной фирмой «Снежинка» используется порядка четырех сотен разнообразных рисунков.
Елецкое кружево
Кружевоплетение в Ельц пришло в конце 19 столетия. Именно в это время здесь был создан один из центров, которым оказал помощь жителям в ознакомлении и освоении техники новомодного ремесла. Елецкое кружево изготавливается на коклюшках, зачастую из белых катушечных нитей, несколько реже использовались льняные нити. А со второй половины 20 столетия начали использовать и шелковые нити. Отличительной чертой Ельского кружева является мягкий контрастный мелкий узор (чаще всего либо растительный, либо геометрический) и тонкий ажурный фон.
Традиционное Елецкое кружево отличается тем, что для его изготовления используется парная техника плетения. Коренные жители начали осваивать искусство кружевоплетения еще в начале 19 столетия на частной фабрике Протасовой.
По сравнению с Вологодскими кружевами изделия Елецкого кружевного промысла были более легкими и тонкими. Полотнянка Елецких кружев была непостоянной по своей ширине и плотности, часто переходила в ажурные разработки. Но, не смотря на это, решетка практически не отличается по плотности от вилюшки, и при этом здесь не наблюдается такой контраст, как в Вологодском кружеве. Характерной чертой Елецкого кружевного изделия является сочетание разных плотностей плетения в одних и тех же элементах кружева. Именно это придает им светотеневую игру, которая создает эффект определенной объемности узора. Специфика крупных Елецких штучных изделий и в построении композиции центрального поля из отдельных элементов — розеток или квадратных фигур, которые, ритмично повторяясь, отвечают орнаменту края и как бы рельефно выступают на плотной узорной решетке фона. В некоторых изделиях один и тот же орнамент решетки может иметь разный рисунок, сочетая при этом в себе парную технику со сцепной. Это и есть одна из основных отличительных особенностей Елецкого кружева. Для Елецких кружевных решеток также характерны мотивы снежинок, морозных узоров, с которыми часто ассоциируется белое кружево разных центров.
Необычайная тонкость и изящность узора изделия выделяет Елецкое кружево среди других. Для этого кружева характерны очень легкие и воздушные решетки, которые соединяют узор, растительные же мотивам характерны черты особой прозрачности. В последнее время был расширен ассортимент продукции по цветовой гамме. Но, как и в давние времена в Ельце продолжается выпуск косынок черного цвета, на которых изображается и очень хорошо вписывается в треугольную форму рисунок растительного характера. А еще большую легкость, воздушность и элегантность Елецким кружевным изделиям придает серый цвет. Помимо работ над созданием дополнений к одежде в Ельце также не останавливаются работы по созданию новых элементов для интерьера, которые отражают современную эпоху. Зачастую это занавески и панно, интересные обывателю не только своеобразной трактовкой темы, но и само кружево, которое поражает богатством приемов, использованных при его изготовлении, и тонкостью исполнения.
Вятские кружева
История вятского кружевоплетения начинается ориентировочно в начале 18 столетия. Ко второй половине 19 века кружевоплетением занималась большая часть крестьянского населения губернии. Практически все заказы приходили из Петербурга. В 1893 году в числе девяти других школ организовалась земская школа кружевниц в слободе Кукарке Яранского уезда Вятской губернии. Основной частью преподавателей этой школы стали выпускницы знаменитой Мариинской школы кружевниц Петербурга. Все школы, которые организовывались по инициативе Мариинской школы в основу обучения ложили свою методическую базу и учебные программы, которые в свое время были в ней разработаны. Не смотря на это, в кружеве вятских школ образовываются свои особые черты, которые выделяют ее среди других подобных учреждений. Формы изделий, изготавливаемых вятскими мастерами кардинально отличаются от изделий других школ: это оплеты платков, жилеты, прихотливее петли, пышные цветы и так далее. Образование этой школы послужило толчком к дальнейшему развитию промысла по всей губернии.
Кировские кружева
Отличительными чертами Кировского кружева стало изящество, легкость, воздушность и прозрачность. Не смотря на то, что мотивы, которыми наполнены Кировские кружева, можно встретить и в Вологодских, и в Елецких изделия, они все равно имеют свой особый местный колорит. Отличительной особенностью Кировского кружевного изделия является большое разнообразие узоров, которые плавно переходят из плотного плетения в сетку, паучки и узорную тесьму с ажурным рисунком. Узоры Кировского кружева, в отличии, например, от Елецкого, носят не геометрический характер, а сугубо растительный. Зачастую работы кировских мастериц носят растительный характер и отличаются невероятной легкостью. Цветы и листья, изображаемые на изделиях, имеют остроконечные формы. По ассортименту Кировские изделия схожи с Вологодскими и Елецкими.
29. Каковы отличительные особенности скопинской керамики?
Для скопинской керамики характерны сложные силуэты, обусловленные соединением форм посуды с фигурами реальных или сказочных существ.
30. История развития скопинской керамики?
Скопинская керамика — гончарные изделия, производимые в городе Скопин Рязанской области.
Возникновению ремесла способствовало наличие залежей глины. Первые письменные источники о гончарном промысле относятся к 1640 году.
Производство было основано в 1860-х гг. крестьянами братьями Оводовыми. Всероссийская известность пришла к нему во II половине XIX века. Приостановилось во время Первой мировой войны и в 20-е годы. С 1934 года производство возродилось на Скопинской фабрике художественных изделий. В 1969 году на базе артели «Керамик» была создана Скопинская фабрика художественной керамики, сейчас — ЗАО «Скопинская художественная керамика» и ЗАО «Скопинский сувенир».
Детали керамики формировались на ручном станке, затем соединялись жидкой глиной и украшались рельефным и вдавленным орнаментом, тёмно-коричневой глазурью с добавлением окиси марганца, ярко-зелёной с окисью меди, густо-жёлтой с окисью железа и реже синей кобальтовой. При обжиге крупинки глазури плавились неравномерно, живописно растекаясь.
Изделия представляют собой кувшины, подсвечники, квасники, кумганы, оправы для каминных часов и декоративную скульптуру малых форм (драконы, кентавры, сказочные львы, фигуры рыб, птиц и домашних животных). Особым был образ птицы Скопы, от имени которой и произошло название города.
57. Каковы отличительные особенности балхарской керамики?
Самобытным, сохранившим традиции древнего мастерства, является гончарное производство в ауле Балхар. Здесь уже в начале нашей эры существовал гончарный промысел. Балхарская керамика была распространена по всему Дагестану, даже там, где существовало свое гончарное производство. Изделия балхарок высоко ценили за качества: тонкостенность и достататочную прочность, разнообразие форм, выработанных в соответствии с функциональным процессом, в котором эти изделия будут участвовать
Тонкостенными, а, значит, легкими изделиями было удобно пользоваться в быту, что особенно важно для водоносных сосудов, которые в Балхаре достигали наибольшего объема (13-15 л). Ассортимент балхарской керамики большой – это разнообразные сосуды: широкие, устойчивые, с высокой узкой горловиной водоносные сосуды, кувшины для умывания, для зерна, для воды, тарелки, миски. Черепок керамики отличается массой оттенков: от розового до матово-черного.
Характерной чертой также является сочетание цвета черепка с кружевной вязью белой росписи. Роспись изделий Балхара – явление самобытное и оригинальное. Это одно из их главных достоинств.
В настоящее время, село Балхар, единственный «живой» керамический центр Дагестана. В орнаментах балхарской керамики встречаются элементы, характерные для керамики, начиная с III тыс. до н.э.: спирали и концентрические окружности, круг и ромб с перекрестием, символы плодородия, древо жизни и т.п. И хотя многие элементы утратили древнее смысловое значение, они по-прежнему широко распространены в росписи балхарской керамики.
В Глиняные кувшины и вообще посуда из глины – это главная достопримечательность и национальная гордость аула Балхар и его жителей. В древности об этом селе Дагестана знал едва ли не весь Кавказ. Их слава гремела на весь мир. Уникальную по своим качествам глину (15 видов) добывали тут же, в сотнях метров от аула. Особенностью балхарской керамики является не только местная глина, но и способ изготовления сосудов методом наращивания глиняными жгутами. После нанесения цветной глиной самобытного балхарского рисунка, изделие подсушивают, а затем отправляют на обжиг в старую печь, которую топят исключительно местным кизяком и хворостом. В основном делается посуда мелкой и средней формы. Но есть и шедевры гончарного искусства высотой почти человеческий рост. А еще балхарцы делают глиняные игрушки, как в старину.
В табасаранском с. Джули тоже издавна производили различную хозяйственную посуду: маслобойки, водоносные сосуды, кувшины-водолеи, для хранения зерна, масла, заквашивания овощей и фруктов, миски, чашки и т.п. Джулинская керамика похожа на балхарскую, но имеет более классические формы, напоминает античные амфоры, и более простой, но элегантный декор (волнистые линии, концентр круги, S-образные элементы). Орнамент в джулинских изделиях наносят на центральную часть сосуда кусочком войлока. В Табасаране много лесов, поэтому, обжиг производится дровами, в результате чего она имеет ровный розовый черепок. Гончарством здесь всегда занимались мужчины, женщины лишь изредка помогали наносить узор. Сейчас гончарное производство в Джули на грани исчезновения.
Во всех керамических изделиях орнамент всегда играл чрезвычайно важную роль. Безусловно, есть сходство и различие в орнаментальных традициях мастеров из различных поселков, но очень часто на изделиях присутствие древних символов, солярных знаков Вопросы
1. Как называются всевозможные орнаментальные композиции, составленные из несложных геометрических фигур в разных комбинациях, выполненных из дерева.-
Геометрическая резьба
2. Как называются толстостенные изделия с неплотным пористым черепком, преимущественно из красных глин. - Майолика
3.Тонкая стекловидная пленка, покрывающая поверхность керамических изделий и придающая водонепроницаемость, а также декорирующая изделие.
Глазурь
5.Способ декорирования путем вырезания и наклеивания узора из разных материалов или соломки в предварительно подготовленные углубления.- . Инкрустация
6.Искусство широких трудящихся масс, главной чертой которого является коллективный характер.- . Народное искусство
7.Одна из исторически сложившихся форм народного ДПИ, представляющего собой производство художественных предметов широкого потребления при обязательном использовании ручного труда.- Народные художественные промыслы
8.Верхний слой коры березы, используемый для изготовления предметов быта.- Береста
9.Способность глины принимать любую форму и сохранять ее после обжига.- . Пластичность
10.Толстостенные изделия с пористым черепком из белых глин.- Фаянс
11.Изделия из белых глин, имеющие тонкий просвечивающий черепок.- Фарфор
12.Создание формы изделия из глины из тестообразной керамической массы вручную.- Формовка
14.Процарапывание узора на пове6рхности подвяленного изделия заостренной палочкой. --Сграфитто
15.Жидкая керамическая масса из белых глин, окрашенная в разные цвета и используемая для создания декора изделия.- Ангоба
16.Краски, которые наносят поверх глазури после политого обжига и закрепляют дополнительным обжигом. Надглазурные
17.Краски, которыми расписывают по утильному черепку, а затем покрывают бесцветной глазурью. -Подглазурные
.
19.Треугольная часть стены между крышей и срубом. -Чело
20.Украшения, выполненные в виде резных досок вверху и внизу окна.- Наличники
21.Бревенчатые стены избы.- Сруб
.

группа171

К зачету по НХП

Комментариев нет:

Отправить комментарий