История народных художественных промыслов в России

1. Истоки и становление языка изобразительного искусства

Рождение образа

Образ возникает в сознании при восприятии информации: организованной художественными средствами, восходит к представлению, основывается на зрительной памяти. Образ конкретен (в различной степени).

Когда возникло искусство? – В эпоху палеолита, 20 тыс. лет тому назад, Какое искусство возникло раньше: абстрактное или конкретное? – Оба одновременно (известны ритмические линейные насечки на предметах и изображения животных на стенах пещер).

Пещерная живопись во французских Пиренеях, в Каповой пещере (Урал, Башкирия).

Назначение изображений: комплексное (синкретическое) – религиозный культ, магический обряд, обучение, игра…

Жанр искусства: анималистический (изображение животных). Животные – объекты охоты, звери, вымершие в ледниковый период – мамонты, мохнатые носороги, лошади, быки и др.

Техника живописи: земляные краски (красная глина), сажа, уголь.

Художественные особенности палеолитической живописи: плоскостные силуэтные обобщённые фигуры, объёмная форма не передана, характерные узнаваемые силуэты с искажением пропорций; отсутствует представление о композиции, случайное размещение разновременных рисунков, движение не передано.

Палеолитическая скульптура: фигурки женщин – «палеолитические Венеры» (Европа). Богини плодородия и плодовитости, очень толстые (эстетический идеал первобытного человека).

Развитие тенденций палеолитической анималистки в последующие века.

Петроглифы (рисунки, высеченные на камнях) Карелии (2 тысячелетие до н.э.). Художественные особенности: схематизм фигур, связь фигур в единую композицию, объединённую действием (без верха и низа).

Скифский звериный стиль – распространён в регионах расселения скифов от Причерноморья до Алтая; 1 тысячелетие до н.э. Изделия декоративно-прикладного искусства и их детали. Золото, чеканка; резьба по кости; аппликация из войлока. Олени, козлы, хищники, орлы. Округлые силуэтные формы; композиционные решения продиктованы задачами декоративно-прикладного искусства (формой изделий), плотная компоновка форм, искажение пропорций, орнаментальные ритмы, динамика, символичность фигур.

Изображения животных в русском народном искусстве. Вышивка и роспись по дереву Русского Севера, резьба по дереву -–рельефы, круглая скульптура – охлупни (кони, птицы), ковши-утицы, игрушка…Условное обобщённое изображение, геометрическая или округлая стилизация; смысл – пережитки языческой мифологии.

Рождение знака

Искусство эпохи неолита (6 тыс. лет назад). Геометрический орнамент

Знак – информация об объекте, сообщённая опосредованно, в отрыве от реального облика объекта; восходит к понятию, основывается на абстрактном мышлении. Знак исторически восходит к изображению, представляет собою максимальную его схематизацию вплоть до неузнаваемости.

Памятники неолитического искусства: изделия из керамики, кости (сходные в разных регионах планеты).

Художественные особенности: орнаментальная композиция, основанная на принципах ритма, симметрии, ярусное расположение орнаментальных поясов, ориентированная вертикально (верх – низ), зависит от формы изделия. Изображения схематические, геометризированные (сходство с ранним детским рисунком). Назначение орнаментов – изображение структуры мироздания, персонажей языческой мифологии, символов стихий…

Развитие геометрического художественного языка в последующие эпохи: геометрический орнамент универсален для всех культур (закономерная стадия развития каждой культуры), сохранился до настоящего времени как стиль декоративно-прикладного искусства; первоначальные религиозно-магические смыслы знаков забылись. Геометрика как основа формообразования в современном дизайне и архитектуре (Малевич – супрематизм).

Геометрический орнамент в русском народном искусстве: вышивка Русского Севера, ткачество, трёхгранно-выемчатая резьба.

2.Условное плоскостное изображение

Иллюстрации

Направление развития: от геометрической схемы – знака к конкретному изображению. Архаическое изображение – на полпути от условности к иллюзии.

Искусство Древнего Египта – живопись и рельефы в гробницах, храмах, на папирусах. 

3 – 1 тыс. лет до н.э.

Тематика – религиозно-мифологическая, информация о жизни и деяниях, общественном положении и заслугах фараонов, чиновников; определяется погребальным обрядом, верой в загробную жизнь. Фигурные изображения, портрет (скульптурный, живописный).

Художественные особенности: условное плоскостное изображение, силуэт с ровной закраской и прорисовкой деталей (в живописи), «плоский рельеф» с углублёнными контурами в резьбе по камню. Отсутствие светотени. Совмещение фасового и профильного вида в одной фигуре. Композиция ярусная. Передача глубинного пространства и временной последовательности событий системой горизонтальных полос. Совмещение иероглифических надписей и изображений. Соотношение размеров фигур в соответствии с социальной значимостью изображаемых персон. Приём наложения силуэтов, профильные изображения используются робко, в незначительных по смыслу частях композиций (слуги, пленные, животные). Образы нормативные и идеализированные. Изображения статичные.

Характер творчества: канон – регламентация всех характеристик изображения; метод работы художника – копирование, сборка композиций из готовых мотивов на основе стандартных схем, варьирование схем и отклонения от канона в незначительных частях композиций.

Отступления от канона – по команде «сверху», в годы правления Эхнатона (сер. 2 тысячелетия до н.э.), установка на «правду» в искусстве.

Крайняя замедленность развития искусства обусловлена социальными условиями (деспотизм). Искусство Крита и Микен (2 тысячелетие до н.э.) – настенные росписи, декоративные изделия.

Тематика ритуальная, светская. Легкомысленный, «женский» характер искусства.

Художественные особенности: условное плоскостное изображение египетского типа с большей живописностью, динамикой форм.

Композиции полосные (по стенам); соотношение размеров фигур близко к реальности. Передача глубинного пространства методом наложения силуэтов. Образы типизированные и экспрессивные (эмоционально выразительные) за счёт движения, мимики, жестикуляции.

Характер творчества: отсутствие жесткого канона. Традиция. Создание самостоятельных композиций в традиционной стилистике. Возможность развития искусства – овладение новыми средствами художественной выразительности в рамках условной плоскостной изо-системы.

Условные плоскостные изображения в русском народном искусстве: роспись по дереву Русского Севера, Нижегородской губернии (Городец).

3.Архитектура древнего мира

Иллюстрации

Овладение объёмно-пространственой формой. Конструкция и пластика.

Конструкция типа «куча» (монолитная)

Техническая задача: обеспечить объём, высоту сооружения. Массе материала придана устойчивая форма; с различной поверхностной обработкой. Внутреннее пространство эстетически не освоено; отсутствует или носит сугубо технический характер (ходы, камеры).

Памятники:

Египетские пирамиды (3 тысячелетие до н.э.): материал – камень, крупные блоки, облицовка. Простейшая стереометрическая форма, отсутствие членений, нет сочетания разномасштабных элементов.

Зиккураты Месопотамии - «Вавилонская башня»: материал – сырцовые кирпичи; форма пирамидальная с плоской верхушкой, ярусная; сочетание разномасштабных элементов.

Пирамиды доколумбовской Мексики (1 тысячелетие н.э.): материал – камень (мелкие и крупные блоки). Вертикальная ориентация формы, ярусность, разномасштабные элементы. 

Монолитная (арочная) конструкция
Техническая задача: повышенная устойчивость сооружения, перекрытие больших площадей. Материалы: камень, кирпич, бетон. Работа конструкции: равномерное распределение сил тяжести в разных направлениях, заклинивание камней в арке и своде, погашение сил распора массой стены, пилона, аркадой.
Элементы конструкции: опора (столб, пилон, колонна), арка (полуциркульная), свод, купол и их сочетания.
Арочная конструкция возникла в Древнем Риме, использовалась для инженерных и монументальных общественных сооружений. Постройки: мосты, акведуки - прямые аркады; цирки (Колизей, 1 в. н.э.) – овальные в плане, аркады в несколько ярусов; термы, базилики (продольно ориентированные здания, перекрытые сводами); храмы (Пантеон, 2 в н.э., перекрыт полуциркульным куполом); триумфальные арки (отдельно стоящие на форумах, с обильным ордерным и скульптурным декором).
Художественные особенности древнеримской архитектуры: грандиозность инженерных решений, монументальность, размах, декоративное использование ордера, недооценка пластики пустого пространства, телесный характер форм.

4. Скульптура древности

Иллюстрации

Направление развития: от условности к иллюзии. Завоевание объёма (на примере отдельно стоящей статуи).
Типы скульптуры (статуи): четырёхфасадная, круглая.

Четырёхфасадная скульптура – продукт плоскостного мышления. Фигура вписана в четырёхугольный блок, объёмная форма получается путём углубления по силуэту, нарисованному на каждом фасаде блока, в результате пересечения силуэтов в глубине блока и скругления форм.
Памятники: скульптура Древнего Египта - статичные фигуры с портретными чертами, канонических форм и пропорций, статичные, левая нога выдвинута вперёд (стоят или идут?).
Архаическая скульптура Древней Греции (8 – 6 вв. до н.э.) – фигуры египетского типа, куросы (обнаженные юноши, атлеты или Аполлон), коры (одетые женщины, богини, участницы процессий). «Оживление» статуй – освоение пластической анатомии, изображение костюма (драпировки), «архаическая улыбка», раскраска. Развитие – накопление конкретных черт, смягчение пластики.

Круглая скульптура – фигура мыслится объёмно, с учётом кругового обзора. Свободная компоновка форм в пространстве.
Памятники: Скульптура древнегреческой классики, эллинизма, Древнего Рима (5 в. до н.э. – начало н.э.). Авторы: Фидий, Мирон, Поликлет, Скопас, Пракситель и др., анонимные статуи.
Художественные особенности: Постановка статуи в свободной позе и движении с опорой на одну ногу или др. конечность. Баланс несущих и несомых частей тела (хиазм). Вариации поз, движений. Гармоничные пропорции (Поликлет). Учёт светотени в скульптурной проработке фигур (пластическая анатомия, драпировка, фактура поверхности материала – мрамора, бронзы, терракоты). Вместо раскраски – тонировка. Впечатление конкретности образа при идеальности фигур и лиц, отсутствие портрета.
Скульптура Древнего Рима: копирование древнегреческих статуй, портретные статуи, бюсты; живописные эффекты пластики (проработка поверхности); 3 – 4 вв.н.э. – варваризация, огрубление.

Развитие античной скульптуры: от условности к иллюзии; овладение объёмной формой, движением, пластической анатомией, светотеневой моделировкой форм

5. Античная живопись

Иллюстрации

Передача объёма, пространства, образный строй.
Направление развития: от условности к иллюзии.

Древнегреческая вазопись – даёт представление о несохранившейся монументальной и станковой живописи. Силуэтное изображение с графической проработкой.
Архаика (7 – 6 вв. до н.э.) – чернофигурный стиль (светлый фон). Фризовые композиции, плоскостность.
Классика (5 – 4 вв. до н.э.) – краснофигурный стиль (чёрный фон). Условная передача глубины наложением силуэтов, отсутствие светотени в силу специфики техники росписи керамики. Поздняя классика – размещение фигур на разных уровнях (чем ближе, тем ниже).

Живопись этрусков: росписи склепов. Архаика (6 в. до н.э.), классика (5 в. до н.э.). Переход от условного плоскостного изображения к передаче объёма светотенью.

Живопись Древнего Рима – настенные росписи Помпей, Геркуланума (1 в. до н.э. – 1 в. н.э.).
Светотеневая моделировка объёмов. Развитие линейной перспективы: иллюзии глубинного пространства на плоскости на основе отдельных наблюдений и приёмов – процесс сложения единой системы построения пространства (не закончился). Живописная техника: развитие от гладкой манеры письма (имитации скульптурного объёма с локальной раскраской) к открытому мазку (передача световоздушной среды, живописность). Виды и жанры живописи: монументальные росписи религиозно-мифологического содержания, станковые картины (имитация в декоративной росписи стен) – сюжетные сцены, пейзаж с мелкими фигурами, натюрморт (фрагменты декоративных и сюжетных композиций), портрет, архитектурные декорации с иллюзорными глубинными эффектами и фигуративными вставками, гризайль – имитация скульптуры в монохромной живописи.
Римские мозаики 3 в.н.э. – техника: набор изображения из кусочков стекла (смальты). Варваризация, упрощение и огрубление форм, утрата интереса к перспективе, светотени.
Фаюмские портреты (Египет, 1 – 3 вв.н.э.) – живопись на досках восковыми красками (энкаустика). Передача сходства, характера. Использование в похоронном ритуале.

Живопись катакомб (Рим, 3 – 4 вв. н.э.) – христианская тематика (символика, фигуры святых, оранты). Уплощение изображения, духовная экспрессия (выражения лиц, акцентировка глаз, динамика открытого мазка).
Направление развития: исчерпанность иллюзионистической художественной системы, изменение художественных задач: от передачи форм материального мира к передаче смыслов, лежащих за пределами видимости; от иллюзии к условности.

2. Искусство и Дух

6. Восточнохристианская живопись

Иллюстрации

Монументальные росписи, иконы, книжная миниатюра Византии, Древней Руси и других православных стран 9 – 17 вв.

Задачи изобразительного искусства: «Библия для неграмотных», христианская тематика; передача «первообразов», истинный характер изображений (в них ничего нельзя менять); передача символического смысла христианской догматики, условные метафизические значения всех элементов изображений, многоплановость прочтения смысла; священный характер изображений, культ икон, крестов…; украшение храмов и других интерьеров.
Художественные особенности: стилистика восходит к раннехристианской живописи катакомб, мозаикам Равенны. Плоскостность, силуэтность фигур. Цветное пятно, декоративная графичная проработка. Золотые и цветные фоны – символика Божественного Света. Передача глубинного пространства: остатки античной светотени, двуслойность письма (белильные, золотые мазки по тёмной основе). Наложение силуэтов. Обратная перспектива (направление духовной энергии изнутри иконы наружу). Искажение пропорций фигур, выразительность контуров во имя одухотворённости образов. Стилизованные деревья, архитектура – рудименты античности. Условность и символический характер цвета. Образы людей – иконографические типы, закреплены за христианскими персонажами и историческими лицами (мифологизированные портреты). Духовная наполненность ликов, поз, жестов.
Характер творчества: канон (жесткая регламентация всех элементов художественной системы). Копирование, изменение масштаба в зависимости от размера расписываемой площади, варьирование декоративных элементов, манеры письма (на ранних этапах развития). Отсутствие авторского начала, индивидуальности творчества. Обучение искусству ремесленное (ученики и подмастерья у мастера).

Техники: мозаика, фреска (живопись земляными пигментами по сырой штукатурке), иконопись – живопись темперой (краска на эмульсионном связующем) на досках.
Размещение икон в иконостасе: ярусами (чинами) – местный, праздничный, деисусный чины, святители, пророки, праотцы. Выносные, молельные иконы.
Направление развития: до 15 века – в сторону нарастания духовной экспрессии (Феофан Грек); 15 век – утверждение гармонии (Андрей Рублёв); 16 – 17 вв. – нарастание декоративности (Дионисий).

7. Восточнохристианская архитектура

Иллюстрации

Задачи храмовой архитектуры: пространственное обеспечение ритуала богослужения (вмещение большого количества молящихся, видимость, слышимость); образная интерпретация внутреннего пространства как модели Царства Божия, противопоставленного миру сему, психологическое воздействие на человека, создание атмосферы духовности.
Конструкция: монолитная крестово-купольная. Достижения древнеримской архитектуры приспособлены к новым задачам. Элементы конструкции: своды – цилиндрические, крестовые; купола полуциркульные, на барабанах, на парусах; опоры – столбы, стены. Материалы: камень, кирпич.
Планы центричные. Храмы однокупольные, пятикупольные. Иерархия пространств от центра (высокое светлое подкупольное пространство) к периферии (низкие затемнённые боковые зоны).
Монументальное искусство – мозаики, фрески. Христианская модель мироздания, символика архитектурных элементов соответствует размещению росписей: в центральном куполе – Христос Пантократор, на парусах – евангелисты, на опорных столбах – благовещение, апостолы, в алтарных апсидах – Богоматерь или Христос, святители, евхаристия, на боковых стенах – ветхозаветные и новозаветные сцены, на западной стене – Страшный суд. Алтарь отделён от остального пространства храма иконостасом.
Эмоциональное переживание пространства – статика. Преобладание внутреннего пространства храма над его внешними формами.
Внешние формы храмов – проекция внутреннего пространства и конструкции на фасады. Стереометрия объёмов, утрата архитектоничности ордерных элементов.
Элементы внешней формы храма: главы, купола, барабаны, шатры (16 – 17 вв.), прясла, лопатки, закомары, апсиды, аркатурный пояс, портал, ниши, оконные проёмы. Декоративные средства: кирпичная кладка (памятники Византии, Киева), каменная кладка (плинфа) – (памятники Новгорода, Пскова), резьба по камню (памятники Владимира, Грузии, Армении), рельефный кирпичный декор + цвет (Памятники Москвы 17в.).
Развитие: обособление пространств и объёмов, нарастание декоративности.

8. Русское деревянное зодчество

Иллюстрации

Местная специфика материала: дерево.
Срубная конструкция (из брёвен). Сборка.

Типы построек:
Свайные постройки (древнейший тип). Изба-пятистенок: сени, клеть, двускатная крыша. Размещение элементов обстановки: подпорный столб – матица, печь, лавки, полати, красный угол, стол. Сельские дома Русского Севера, Центральной России.
Восьмерик на четверике, шатёр – храмы, колокольни, крепостные башни. Вертикализм объёмов.

Объёмно-пространственные композиции (ансамбли):
Древнерусский город,
Дворец Алексея Михайловича в Коломенском (17 в.) – иррегулярный план, сблокированные разновысотные объёмы с различными завершениями (шатры, бочки, двух- и четырёхскатные крыши).
Кижский погост (18 – 19 вв.) – отдельно стоящие объёмы в природном ландшафте. Организация далевых видов. Ярусная композиция глав.
Декоративная отделка деревянных строений:
Эстетика естественного материала (ранние памятники Русского Севера).
Резной декор: глухая рельефная резьба (Нижегородская губерния, первая половина 19 в.), пропильная ажурная резьба (повсеместное распространение, с сер. 19 в. до наших дней).
Размещение резного декора на конструктивных элементах дома (пилястры, фриз, причелины, полотенца, наличники, чердачные окна).
Обшивка тёсом, окраска (поздние городские влияния).

9. Средневековое искусство Западной Европы

Иллюстрации

Архитектура. Задачи храмовой архитектуры: пространственное обеспечение ритуала богослужения (вмещение большого количества молящихся, видимость, слышимость); образная интерпретация внутреннего пространства как модели Царства Божия, противопоставленного миру сему, психологическое воздействие на человека, создание атмосферы духовности.
Конструкция – монолитная (аркада), сводчатая, в ранних памятниках – плоские деревянные потолочные перекрытия. Материалы: камень, кирпич.
Планы: вытянутые в восточно-западном направлении постройки базиликального типа.
Части храма: нефы (членения пространства продольной ориентации, пространство между рядами опор) – центральный неф высокий, светлый, боковые низкие, затемнённые; трансепт – поперечный неф, сдвинутый к алтарю, придающий плану подобие креста; средокрестие – пересечение главного нефа и трансепта, над ним – фонарь (башнеобразный объём); порталы на западном фасаде – по числу нефов; башни западного фасада.
Эмоциональное переживание пространства: динамика, стремление к алтарю.
Монументальное искусство: скульптура, витражи.
Романский стиль (6 – 11 вв.). Наследие архитектуры Древнего Рима.
Простые стереоскопические объёмы, минимум внешнего декора (аркатурные пояса), варваризация ордерных элементов, утрата архитектоничности; преобладание внутреннего пространства над внешним, мощные опоры, полуциркульные арки, крестовые своды; резьба порталов – уплощённый орнамент с растительными и животными мотивами, фигуры людей с искаженными пропорциями, графичная плоскорельефная разделка деталей, духовная экспрессия.
Памятники: постройки Западной Европы (Италия, Франция, Германия).
Готический стиль (12 – 15 вв.). Возник во Франции, распространился во всех странах Западной Европы.
Конструктивная основа – стрельчатая арка, нервюрный свод. Элементы конструкции: нервюры – рёбра жесткости, позволяющие облегчить массу свода, аркбутаны, контрфорсы – противовесы для погашения распора сводов центрального нефа, многочисленные декоративные детали, повторяющие пластическую тему стрельчатой арки.
Вертикализм пространства, зрительное облегчение массы измельчением вертикальных членений, впечатление роста архитектурных форм (пучки колонн, башенки, скульптура). Внешние формы – обнаженная конструкция аркбутанов и контрфорсов, обильный архитектурный декор. Внутреннее пространство – обилие света (большие окна, витражи), спиритуализация пространства вертикализмом форм.
Скульптура порталов, внутренний декор – органика мотивов, впечатление роста, переплетение и сцепление форм, вытянутые пропорции, обильная пластика драпировок.
Готический собор в среде средневекового города смотрится фрагментарно. Контраст с рядовой застройкой по высоте и декоративности.
Развитие стиля: Ранняя готика – уравновешенность вертикальных и горизонтальных членений (собор Парижской Богоматери). Зрелая готика – преобладание вертикализма. Поздняя (пламенеющая) готика – нарастание декоративизма.
Памятники: соборы в Реймсе, Амьене (Франция), Кёльне (Германия), Милане (Италия) и др.
Интернациональный характер стиля.

Живопись. Условия развития: относительная свобода творчества (выбор композиционных решений, стилистики).
Романский период: условность, плоскостность, варварские черты стиля.
Интернациональная готика. Направление развития: от условности к иллюзии. Отсутствие иконописного канона, нарастание конкретности, детализации изображений; попытки передачи глубинного пространства, светотеневой моделировки форм, ещё не сложившиеся в единую систему, декоративизм стиля: вычурность линий, аппликационность цвета. Атрибуты современности (костюмы, архитектура, вещи) в библейских сюжетах.

3. Сложение и развитие зрелого объёмно-пространственого мышления

10. Искусство раннего итальянского Возрождения - 15 в.

Иллюстрации

Итальянский проторенессанс (кон. 13 – 14 вв.): близость к византийской традиции, опосредованная преемственность от античности.
Джотто (кон. 13 – нач. 14 в.): фрески капеллы дель Арена в Падуе, ц. св.Франциска в Ассизи. Уравновешенность, ясность композиций, статуарность фигур, чёткое построение пространства небольшой глубины, светотеневая моделировка обобщённых объёмов, гармоничные пропорции, лаконизм и сдержанная выразительность поз и жестов. Схема росписей: ярусы, горизонтальные прямоугольные форматы, обособленное пространство в каждой композиции с сохранением общего единого впечатления от росписи в целом.
Последователи Джотто (14 в.): Симоне Мартини (готическое изящество форм )

Условия расцвета искусства: внехудожественные (свободные города-республики, зарождение капитализма, активная торговля, ремесленное производство, бурная политическая жизнь; гуманизм в философии, утверждение ценности человеческой личности, светского характера культуры; развитие естественных наук объективность видения мира, интерес к материальному аспекту жизни; интерес к античности, исследование памятников искусства Древней Греции и Древнего Рима).

Архитектура. Возвращение к эстетике античности на новом уровне строительной техники и общественных потребностей, реконструкция и обогащение ордерной системы, гармония пропорций, равновесие внутреннего пространства и объёмной формы зданий, спокойствие и уравновешенность форм, симметрия. Брунеллески – разработка системы линейной перспективы для проектирования сооружений, изобретение новой облегчённой конструкции купола и свода, суховатый геометризм ордерных построений, ясность и гармония объёмов и пространств.
Живопись. Художественные открытия: система линейной перспективы; под влиянием античной скульптуры – светотеневая моделировка объёмных форм, пропорции, пластическая анатомия; появление станковой картины (наряду с монументальными росписями и алтарными композициями; работа художников с натуры, штудии формы и фиксация натурных наблюдений как материала для создания композиций на христианские и мифологические сюжеты; сочетание конкретного (портрет, современный костюм, натурные наблюдения) и идеального (антикизированные формы) в образном строе произведений.
Усиление авторского начала в творчестве, появление ряда знаменитых мастеров с индивидуальными различиями в стилистике.
Характер творчества: художественные открытия, разработка и усовершенствование художественной системы (высший уровень творчества); самостоятельное составление композиций на заданные сюжеты (образное решение). Творческий метод: составление композиций из элементов, восходящих к штудиям античных памятников, натурных постановок, работ других мастеров. Начало работы над композицией – пространственное решение сцены.
Художественное обучение сохраняет в основном свойственный средневековью ремесленный характер: ученики при мастерах оказывают помощь мастеру в выполнении технических операций, исполняют незначительные детали в композициях мастера, самостоятельно выполняют несложные заказы, для обретения самостоятельности выполняют «шедевр» (квалификационную работу). Постепенное вычленение художественного обучения как отдельного учебного процесса из комплекса практических работ. Методы обучения: копирование работ мастера, штудирование античных памятников, работа с натуры.
Художники:
Т.Мазаччо (фрески) – антикизированный облик фигур, мощная светотеневая моделировка форм, правильная расстановка фигур в иллюзорно-глубинном пространстве.
А. Дель Кастаньо (фрески) – расположение фигур в неглубоком трёхмерном пространстве, чёткость объёмов, выражение величия и достоинства личности в портретных фигурах.
Пизанелло – профильные портреты (картины, медали).
Беноццо Гоццоли (фреска «Поклонение волхвов») – включение в евангельский сюжет портретных фигур современников, уплощённо-ярусное построение процессии.
Пьеро делла Франческо (фрески, профильные портреты, картина «Бичевание Христа») – Плановое построение глубинных композиций с резким перепадом в масштабе на переднем и заднем планах, владение центральной перспективой.
Перуджино (картины) – идеальная архитектура ренессансного типа в евангельских сценах.
А.Мантенья (фрески, картины) – археологическая точность античных деталей, резкие ракурсы.
С.Боттичелли – ярко выраженная индивидуальная манера, станковые картины аллегорического содержания с персонажами из античной мифологии, изящество и лёгкость форм, искажения в рисунке ради выразительности.
Антонелло да Мессина – первый в Италии начал работать масляными красками (до него пользовались темперой). Портреты на тёмных фонах. «Св.Себастьян» антикизированная гармония и спокойствие форм вопреки сюжету (мученичество).

Нерешенные проблемы живописи раннего Возрождения: жесткость формы, резкий локальный цвет, ровное дневное освещение, отсутствие передачи световоздушной среды; трудности в глубинном построении композиций – резкое расслоение планов; недостаток экспрессии (эмоциональной выразительности), психологической глубины образного строя, перевес в сторону идеализации.

Скульптура. Развивалась под влиянием изучения античных памятников и художественных открытий в живописи. Отражала гуманистические идеалы. Вписывалась в предметно-пространственную среду, организованную архитектурой Ренессанса.
Скульпторы:
Якопо делла Кверча – обобщённая антикизированная пластика, влияние Мазаччо.
Донателло – монументальная статуарность фигур, конкретность образов; живописный рельеф; конная статуя.
Вероккио – усиление экспрессии и характерности образов (конная статуя).

11. Искусство зрелого и позднего итальянского Возрождения (16 в.)

Иллюстрации

Живопись. Решение нерешенных проблем раннего возрождения: передача световоздушной среды, живописность, тонкий колоризм; усовершенствование глубинных построений; углубление смысла, эмоциональной выразительности, психологизма. Деятельность выдающихся мастеров, универсализм деятельности (в разных видах искусств, науке, инженерном деле, поэзии…).
Художники:
Леонардо да Винчи – изобретение приёма «сфумато» (нечёткость контуров, дымка).
Рафаэль – ясное перспективное решение сложных глубинных композиций, мощная пластика фигур, психологизм образов.
Микеланжело (как живописец) – монументальные росписи (Сикстинская капелла): парадоксальные глубинные построения, активное взаимодействие реального и изображенного пространств разных планов, напряженная скульптурная пластика фигур, экспрессия образов.
Венецианцы:
Джорджоне – единый тёплый тон колорита, гармония фигуры и среды.
Развитие художественной системы Ренессанса по пути выразительности, усложнение и обогащение образного строя искусства. Динамика, напряженность, массивность форм, акцентировка светотени, тональный колорит.
Выдающиеся мастера с индивидуальными живописными манерами, субъективным видением мира.
Художники:
Тициан – живописность манеры, появление открытого мазка, приём «нонфинито» (незаконченность), материальная чувственность образов, сближенный, с тенденцией к тональности, колорит; контрасты тёмного и светлого, портретный психологизм, трагизм, напряженность, динамика форм.
Веронезе – материальная чувственность, щедрая красота мира, массивная роскошь фигур, многофигурность, динамика, многоплановость композиций.
Тинторетто – духовная экзальтация, напряженность, динамика композиций (диагональные построения), контрасты тьмы и света при общем затемнении сцены, темпераментное живописное письмо.

Скульптура. Микеланджело (как скульптор) – могучая пластика, напряженность поз и жестов, драматизм, духовная экспрессия, психологическая конфликтность образного строя.

Архитектура. Браманте – идеальные плановые и объёмные построения (круглый храм).
Микеланджело (как архитектор) – утяжеление масс, напряженность и конфликтность ордерных построений.
Палладио – «образцовые» композиции, регулярные симметричные и центричные планы, соподчинение объёмов, гармония постройки и природной среды. Сложение канонов будущего классицизма.

12. Искусство Северного Возрождения

Иллюстрации

Тенденции, аналогичные тем, что в итальянском Возрождении. Отличия: отсутствует или незначительную роль играет изучение античности, нет гуманистической философии. Интерес к материальному миру, к конкретному человеку в русле христианского богословия (15 в. – «новое благочестие», личное общение с Богом; 16 в. – борьба католицизма и реформации). Религиозная символика композиций. Отсутствие идеализации, экспрессивная заостренность, гротесковость образов.
Разработка перспективы, светотени, нарастание конкретности изображений – органически вытекает из тенденций интернациональной готики.
Сложение национальных школ живописи.
Техника живописи – масляные краски, многослойное письмо прозрачными слоями, усиленная «звучность» цвета.

Нидерланды
15 в.
Ян ван Эйк – освоение перспективы, многоплановых глубинных построений; детализированная конкретность изображений.
Рогир ван дер Вейден, Гуго ван дер Гус – готическая угловатость, напряженность форм.
Иероним Босх – многофигурные триптихи – панорамы, композиции морально-этического содержания, фантастика, гротеск, искажение форм.
16 в.
Питер Брейгель Старший – ранние работы – панорамные многофигурные композиции «энциклопедического» характера, гротеск, фантастика; поздние работы – сцены из жизни простых людей, фигуры в пейзаже, далевые многоплановые построения, воздушная перспектива, укрупнение фигур, гармоничная ясность построений при отсутствии идеализации (неуклюжесть, грубость), композиции морально-этического содержания.

Германия
Кон. 15 – 16 вв. – знакомство с достижениями итальянского Возрождения при сохранении северной конкретности и экспрессивной заостренности форм.
А.Дюрер (живопись, графика, гравюры на дереве и металле) – антикизированная объёмно-пространственная и пропорциональная пластическая основа при жесткой конкретной проработке форм и отсутствии идеализации.

Франция
Придворный, «модный» характер искусства. В архитектуре, скульптуре – формирование тенденций классицизма.
15 в. Фуке (портреты в модных костюмах) – по стилю близко к живописи Нидерландов, изысканность цвета.
16 в. Клуэ – в живописи заметны влияния Италии (портреты в модных костюмах), графические портреты (карандаш, сангина) – минимум околичностей, акцент на лице.

4. Развитие изобразительной системы европейской живописи 17 – 19 вв.

13. Выдающиеся мастера живописи 17 века

Использование достижений Ренессанса как готовой художественной системы (линейная и воздушная перспектива, светотень, сближенный тональный колорит, изучение натуры). Углублённая разработка отдельных структурных элементов системы ради выразительности. Испытание системы на прочность. Выработка индивидуальных творческих манер.
Школы крупных мастеров (ученики, подражатели). Изучение работ мастера, памятников искусства, уяснение принципов искусства мастера, копирование его работ, создание собственных работ в манере мастера, формирование собственной манеры, восходящей к манере учителя. Художественное образование обретает автономность от ремесленной стороны дела.
Техника живописи: тёмный грунт, пастозный подмалёвок – светотеневая лепка формы, прописывание – цветовое решение, детализация форм, лессировка – нанесение тонких прозрачных слоёв краски для нюансировки цвета, придания картине общего тона. Живопись на холсте (ранее преобладало дерево).

Художники:
Караваджо (Италия) – интерес к изображению натуры, установка на правду в искусстве, «натюрмортность» фигурных композиций. Натурщики простонародного типа, уход от идеализации образов, приземлённая трактовка мифологических и христианских сюжетов, акцентировка светотеневой моделировки объёмов (скульптурность), нейтральные тёмные фоны, сближенный колорит, лаконизм композиций, статичность, пастозный подмалёвок, гладкое письмо верхних слоёв живописи.
Рембрандт (Голландия) – светотеневая лепка форм, передача атмосферы, пастозная живопись (открытый мазок), богатый нюансами тёплый тональный колорит, эмоциональные нюансы психологических состояний в портретах, религиозно-мифологических образах, неприкрашенность натуры, духовная красота некрасивого человека.
Веласкес (Испания) – неприкрашенность натуры, «натюрмортность» фигурных композиций, Достоинство личности при внешнем уродстве, тонкая нюансировка богатого оттенками колорита, живописная манера, сложные пространственные (плановые) композиции.
Рубенс (Фландрия) – стиль «барокко», пышность форм, материальная щедрость мира, бурная динамика, диагональное построение композиций, свободная живописная манера, колористическое богатство, тонкая нюансировка цвета.
Пуссен (Франция) – стиль «классицизм», ясность, уравновешенность, спокойствие и гармония композиций, чёткость пространственных построений, ориентация на эстетику античности, идеализация фигур, передача локального цвета со светотеневой проработкой, уравновешенность цветных пятен.
Эль Греко (Испания) – выход за пределы ренессансной художественной системы, субъективное видение формы, искажение пропорций, анатомии, вертикально вытянутые фигуры, уплощение пространства, уход от объективной светотени, сияющий свет и цвет, свободная живописная манера, обостренная духовная экспрессия.

14. Стили в европейском искусстве 17 – 19 вв.

Стиль – подчинение художественных средств искусства какой-либо формообразующей идее; характеризуется определёнными принципами формообразования и специфическим набором элементов (мотивов). Причины смены стилей: внехудожественные – экономика, политика, идеология; внутрихудожественные – логика развития искусства и художественного восприятия.
В 17 в. в Европе сформировались стили «барокко», «классицизм». Их общий источник – искусство Ренессанса.
Барокко – пышный, роскошный стиль; утяжеление масс, нарастание чувственности, материальности форм, эстетика чрезмерности, динамика композиций, напряженность. Ключевой элемент – кривая линия, органическая форма.
Причины возникновения: развитие капитализма, новый богатый потребитель искусства, католический реванш в борьбе с реформацией, пресыщенность зрительских эмоций, желание более острых ощущений от искусства.
Источники стиля: творчество Микеланджело, Веронезе, Тинторетто.
Архитекторы: Бернини, Борромини (Италия, 17 в.), Растрелли (Россия, 18 в.).
Скульпторы: Бернини (Италия, 17 в.), Шубин (Россия, 18 в.).
Живописцы: Рубенс, ван Дэйк, Снайдерс (Фландрия, 17 в.), Корреджо (Италия, 17 в.)
Рококо – позднее барокко (18 в.) – измельчение форм, декоративизм, изящество. Ключевой элемент – раковина.
Живопись: Ватто, Фрагонар (Франция), Хогарт (Англия), Рокотов, Левицкий (Россия).

Классицизм – ясность, спокойствие, уравновешенность форм, гармония пропорций, мера, статика, симметрия, приверженность эстетике античности. Ключевой элемент – прямая линия, геометрическая фигура, ордер.
Причины возникновения: абсолютизм (Франция, Испания), тяга зрителя к нормативности, гармоничности, правильности в искусстве (консерватизм вкусов).
Источники стиля: античность, Ренессанс (творчество Браманте, Палладио, Леонардо да Винчи, Рафаэля).
Архитектура: ансамбли Лувра, Версаля (Франция, 17 – 18 вв.), постройки архитекторов Баженова, Казакова (Россия, кон. 18 в.).
Живопись: Пуссен, Клод Лоррен (Франция,17 в.), Лосенко (Россия, 18 в.), Венецианов, А.Иванов (Россия, 19 в.).
Ампир – поздний классицизм, упрощение, стереометрия форм, археологическая цитатность античных включений. Архитектура: Захаров, Бове (Россия, первая четверть 19 в.).
Классицизм с переменной актуальностью дожил до наших дней. Начало 20 в. – неоклассика, 30 – 50-е гг. 20 в. – тоталитарный классицизм (Германия, Россия), наши дни – одно из направлений в постмодернизме.
Эклектика – художественное направление в европейском искусстве середины – второй половины 19 в., состоящее в имитации различных исторических и национальных стилей (форококо, неоготика, псевдорусский стиль…). Пример: здание Исторического музея в Москве (архитектор Шервуд).
Модерн – стиль конца 19 – начала 20 вв., основанный на органической криволинейной стилизации форм. Пример: особняк Рябушинского в Москве (архитектор Шехтель).

15. Жанры в европейском искусстве 17 – 19 вв.

Жанровый принцип классификации искусства – по тематике изображений. Примеры жанров: натюрморт, пейзаж, бытовой жанр, анималистический жанр, Батальный жанр, ню… В эстетике классицизма различаются жанры высокие (религиозно-мифологическая картина, парадный портрет), средние (идеальный пейзаж, камерный портрет), низкие (натюрморт, конкретный пейзаж, бытовой жанр). Те или иные жанры актуальны в разные исторические эпохи. В эпоху Возрождения из синтетического религиозно-мифологического жанра выделился портрет.
В 17 в. в связи с усилением интереса к явлениям повседневной жизни, приближением искусства к человеку как частному лицу и дифференциацией мира на различные области наблюдения (аналогия – развитие отдельных наук из комплексной антично-средневековой философии) произошла специализация живописи по жанрам и развитие низких жанров.

Натюрморт - изображение бытовых предметов, продуктов питания (неподвижная натура). Выделился из религиозно-мифологической картины как деталь из целого. Содержит рудименты метафизической символики. Формальные задачи – расположение объёмов в малом глубинном пространстве, передача цветофактурных качеств предметов. Искусственная организация объёмно-пространственой композиции (постановка натюрморта). Учебный жанр – работа с натуры, освоение принципов академической художественной системы.
«Натюрмортный» характер фигурных композиций Караваджо, Веласкеса, Вермеера. Голландия – преимущественное развитие жанровой живописи. Причины – протестантизм, утрата значения религиозно-мифологической живописи, необходимость в картинах небольшого размера и умеренной цены для жилого интерьера «среднего класса». Художники – «малые голландцы».
Голландия, 17 в. – натюрморты уравновешенных, статичных композиций; светотеневая лепка форм, тщательная цветофактурная проработка предметов, сближенный колорит. Предметы – более или менее дорогие, экзотичные и обычные, вплоть до кухонной утвари.
Художники: Геда, Кальф и др.
Фландрия, 17 в. – стиль «барокко». Богатые парадные натюрморты крупных форматов, материальное изобилие, буйство форм, динамика, телесные ассоциации. Художник: Снайдерс.
Франция, 18 в. – стиль «классицизм», влияние философии Просвещения. Художник – Шарден, Чёткая уравновешенная пространственная организация, ясность композиции, простые предметы – кабинетные, кухонные. Гармоничный сближенный колорит, сдержанная живописная манера.

Пейзаж – природный, архитектурный вид. Формальные задачи – изображение пространства большой глубины (далевого образа). Выделился из религиозно-мифологической картины, где служил фоном и пространственной средой для фигур. Сложение пейзажа – уменьшение размеров фигур, увеличение роли пространства. Стаффаж – мелкомасштабные фигурки людей и животных, оживляющие пейзаж. Первые пейзажи появились в Нидерландах (П.Брейгель), Германии (Дюрер, Альдорфер) в 16 веке. В 17 в. получил самостоятельное значение.
Структура пейзажа: плановое (кулисное) построение глубинного пространства, одна неподвижная точка зрения, взгляд направлен от близких объектов вдаль, элементы линейной перспективы (уменьшение объектов по мере удаления, архитектурные фрагменты), воздушная перспектива (растяжка цвета от тёплого яркого вблизи к холодному бледному вдали). Типы пейзажа по характеру пространства: открытые, закрытые; по высоте линии горизонта: панорама (высокая линия горизонта, взгляд сверху), обычный вид (средняя точка зрения), «лягушачья перспектива» – низкая точка зрения. Типы пейзажа по содержанию: идеальные (вымышленные виды), конкретные (реальные виды).
Идеальный пейзаж – восходит к античным представлениям о золотом веке, о Стране блаженных. Средиземноморские ландшафты с античными руинами и стаффажем.
Художники:
Рубенс (Фландрия) – барокко, динамика, напряжение, преобладание материальных форм ландшафта над пространством.
Пуссен, Клод Лоррен (Франция) – классицизм, ясность планового построения пространства, четкая «трёхцветка» воздушной перспективы, лето, хорошая погода, дневное освещение.

Конкретный пейзаж – существующие ландшафты, образы природы родной страны, не обязательно красивые, пишутся по натурным эскизам, передают состояние погоды, время года, время суток, эмоциональное настроение.
Голландия, 17 в. Художники – «малые голландцы».
Рёйсдаль – образы дикой природы, болота, лесные чащи, могучие кудрявые деревья, тревожное настроение (влияние Рубенса).
Ван Гойен – морские виды, низкая линия горизонта, облачное небо, плохая погода, передача атмосферы, колорит, близкий к монохромному, холодный.
Хоббема, де Фриз – уютные пейзажи с домиками – жилищами крестьян.
Ван дер Нер – тревожные равнинные пейзажи, плохая погода.

Городской пейзаж (ведута) – виды городов, архитектурных сооружений (для туристов). Получил развитие в Венеции в 18 в. Художники: Каналетто, Белотто – парадные, детально проработанные виды. Франческо Гварди – лирические виды, обычные дома, дворы Венеции, передача настроения, погоды; живописная манера, открытый мазок, тонкий сближенный колорит.

Пейзаж 19 в.
Коро (Франция) – традиции голландского пейзажа; работа с натуры (на пленэре), живописная манера, сближенный тональный колорит, передача эмоциональных состояний.
Гаспар Давид Фридрих (Германия) – романтический пейзаж, настроение тревоги, тайны, неуютные дали, эффекты освещения, готические мотивы, затерянность человека в мире.
Тёрнер (Англия) – предшественник импрессионизма, эффекты освещения переданы необычными сочетаниями красок, экспрессией мазка.

Бытовой жанр - изображение социальных типов, сценок из обыденной жизни. Зародился в Нидерландах в 16 в. (Босх, Брейгель). Гротесково-комический характер изображений, религиозно-нравственное содержание композиций. Образы простых людей олицетворяют грехи и пороки. Взгляд на человека свысока.
Формальные задачи: человеческие фигуры в пространственной среде (интерьер, пейзаж).
Бытовой жанр получил развитие в Голландии в 17 в.
Художники:
Вермеер Дельфтский (один из «великих» голландцев) – «натюрмортность» фигурных композиций, решение чисто формальных задач, гармоничная ясность, спокойствие композиций, чистота и богатая нюансировка цвета, Техника живописи напоминает «пуантилизм».
Тенирс, ван Остаде, Броувер, Стен и др. – изображение простых людей в комически сниженных ситуациях, в интерьерах жилого дома, кухни, таверны (пирушки, быт). Юмор, наблюдения нравов. Влияние Рембрандта в манере живописи (рыхлая пастозность, грязноватый теплый колорит).
Франция, 18 в. – сентиментально-классицистический жанр, влияние просветительской этики. Добродетельный, чистый быт. Шарден.
Стиль «рококо», галантный жанр, светлая лёгкая живопись. Художники: Ватто. Фрагонар.
Англия, 18 в. – нравоучительный жанр, сюжеты социально-критического характера, сатира. Художник – Хогарт.
Россия, начало 19 в. – идиллический жанр. Художник - Венецианов.

16. Реализм в европейской и русской живописи 19 века

Контекст реализма – художественные направления в искусстве 19 в.:
Академизм – приверженность эстетике классицизма, консерватизм вкусов, нормативность художественной системы, религиозно-мифологическая тематика. Энгр (Франция), А.Иванов (Россия).
Салонное искусство – предназначено для удовлетворения вкусов богатой буржуазной публики, для украшения светских интерьеров. Поверхностная красота, роскошь, эффектность живописи. Брюллов (Россия).
Романтизм – «оппозиционное» искусство той эпохи, проникнуто пафосом борьбы, противостояния личности и среды. Передача экстремальных эмоций, сильных эффектов. Культ гения в искусстве. Жерико, Делакруа (Франция).
Общий для всех направлений художественный язык основан на зрительной достоверности изображения. Академическая художественная система. Художественное образование – Академии художеств (в Европе с 17 в., в России с 18 в.) – специальные учебные заведения для подготовки художников.
Реализм – искусство, вдохновляющееся жизнью как таковой, без какого-либо культурного посредничества. Основа реалистической эстетики – отождествление прекрасного, ужасного, трагического, комического и т.д. в жизни и в искусстве (Чернышевский). Задача реализма – документальная фиксация жизненного материала.
Принципы реализма впервые сформулировал Курбе (Франция) в манифесте к его выставке 1855 года.
Представители реализма во Франции – Курбе, Милле (монументализированное изображение представителей народа).
Художественные особенности реализма: изображение средствами академической художественной системы социальных типов, бытовых, трудовых сцен; отсутствие идеализации образов.
Реализм в России развивался из бытового жанра под влиянием литературы (Гоголь, физиологический очерк), театра (Островский); проникнут нравоучительностью, социально-критическим пафосом. Стилистически восходит к голландской жанровой живописи, к Хогарту (были известны его гравюры), к современной европейской живописи. Ведущий жанр реализма – тематическая картина – многофигурная композиция, несущая глубокое идейно-художественное содержание; рассказ в зримых образах. Составлялась на основе натурных наблюдений и штудий, поисков характерных типов и деталей; композиция строится режиссёрским методом, как мизансцена.
Художники:
Федотов (40-е – 50-е гг.) – детализированный занимательный рассказ в картинах о жизни и быте дворян, купцов, мещан. Типичные, узнаваемые по жизни и литературе персонажи, характерные признаки обстановки, красноречивые детали. Морализаторство, мягкий юмор сюжетных сценок. Гладкая скрупулёзная живопись.
Перов (60 – 70 е гг.) – обостренный социально-критический пафос, моральное обличение пороков общества.
Передвижники. В 1869 г. возникло художественное объединение «Товарищество передвижных выставок». Повод – отказ группы выпускников Академии художеств писать дипломную картину на мифологический сюжет. Лидер группы – Крамской. Теоретик – критик В.В.Стасов.
Принципы передвижничества: реализм (отражать жизнь в формах жизни), народность (изображать народ, создавать искусство для народа, понятное народу), тенденциозность (подчинение искусства прогрессивной идеологии, социально-критические задачи искусства). Объективный (как в жизни) характер композиции, колорита. Против «отсебятины».
Художники:
Савицкий, Мясоедов, Маковский, Ярошенко и др. Приверженность академической изобразительной системе; объективность взгляда на мир, пассивность живописи препятствует решению выразительных задач, определяемых избранной тематикой композиций.
Крамской – портреты известных представителей разночинной интеллигенции, Невыразительный «музейный» колорит, банальность характеристик.
Репин – многофигурные композиции на исторические и современные сюжеты. Мастерство расстановки фигур в глубинном пространстве, социальные и психологические характеристики персонажей, богатство цвета, свободная живопись открытым мазком. Противоречие специфически живописной выразительности тенденциозным политизированным сюжетам (преодолевается в портретах).
Суриков – многофигурные исторические сцены; исторические реконструкции костюмов, деталей. Мастерство композиции, колорита, живописной манеры.

17. Русский пейзаж 19 века

В жанре пейзажа нашли отражение все тенденции искусства этой эпохи. Специфика жанра – смягчённость идеологических установок, передача эмоциональных состояний средствами живописи (роль композиции, колорита, живописной манеры). Развивался под влиянием литературы (описания природы в прозе, в лирической поэзии).
Художники:
Сильвестр Щедрин (первая половина 19 в.) – классицистический пейзаж. Виды Средиземноморья, памятники европейской архитектуры. Чёткое плановое построение пространства, воздушная перспектива.
А.Иванов – виды Средиземноморья с натуры – подготовительные эскизы к картине «Явление Мессии», типизированные ландшафты, образы евангельской Палестины.
Передвижнический пейзаж (вторая половина 19 в.) – реальные российские ландшафты, разные времена года, атмосферные состояния, невзрачные виды, плохая погода, завуалированная социальная критика. Саврасов, Васильев.
Куинджи – необычные состояния природы, эффекты освещения.
Салоно-романтический пейзаж: Айвазовский (маринист).
Патриотический пейзаж эпического звучания: Шишкин. Величие родной земли, роскошные монументальные формы природных объектов, хорошая (за редчайшим исключением) погода, ровное солнечное освещение, чёткость проработки деталей, объективный колорит, верно передающий цвет натуры, без тонкостей эмоциональной интерпретации, гладкое скрупулёзное письмо.
Лирический пейзаж: Левитан. Состояния погоды и природы, выбор мотива, пространственное построение передают эмоции человека. Свободная живопись, объективный колорит натуры, пережитый и переданный в живописи с субъективными нюансами.

5. 18. Искусство народов мира

Пути развития искусства, отличные от европейского. Определяются истоками развития и факторами, развитие направляющими.

Искусство мусульманского мира (памятники Ближнего, Среднего Востока, Северной Африки, Испании)

Истоки развития – культура поздней античности (общая с европейской культурой) и Сасанидского Ирана. Направляющий фактор развития – религия Ислама (с 6 в. н.э.), запрет на изображение людей и животных, строгая регламентация всех сторон жизни. Развитие математических наук (абстрактное мышление).
Ведущий вид искусства – орнамент: геометрический, растительный, каллиграфический, мелкий, сплошь заполняющий поверхности. Архитектурный декор – резьба по камню, поливная керамика, росписи; ковры, изделия из металла, керамики и др. виды декоративно-прикладного искусства. Орнамент лишает формы материальности, пластической весомости.
Архитектура – однообразие плановых и объёмных решений при богатстве орнаментальной обработки поверхностей. Типы построек: мечеть, медресе, жилой дом, дворец – двор, окруженный аркадой и крестово-купольными ячейками помещений; мавзолей – центричный крестово-купольный объём; минарет – башня.
Персидская миниатюра (книжная иллюстрация) – допускала фигурные изображения, сюжетные сцены. Изображение плоскостное, ковровый характер композиций, отсутствие перспективы, прочтение композиций справа налево (как арабские надписи). Совмещение разновременных событий в одной композиции. Повышенная декоративность.
В исламском искусстве нет: светотени, перспективы, станковой картины, Монументальной скульптуры, эмоциональной выразительности, авторской индивидуальности. Каноничный характер культуры, отсутствие развития. Разрушение самобытности исламского искусства под влиянием западной культуры.

Искусство стран Дальнего Востока (Китай, Япония)

Истоки развития – искусство неолита (геометрический орнамент), общее для всех культур мира.
Направляющие факторы развития – древняя религия, даосская, конфуцианская философия, дзен-буддизм, характер письменности (иероглифы).
Китай
Эпоха бронзы (14 – 12 вв. до н.э.) – культ кровожадного божества, человеческие жертвоприношения. Бронзовые сосуды с «маской тао-те» и облачным орнаментом. Жесткие агрессивные формы.
Деревянная архитектура, стоечно-балочная конструкция, консольный вынос крыш выгнутого профиля с драконообразным декором. Прямоугольные планы. Буддистские пагоды – ярусные башни. Резной и живописный декор.
Живопись – образно-символическое выражение даосско-буддисиской философии. Природные формы – символы стихий, философских понятий. Водные потоки – образ Дао. Ведущий жанр – «горы – воды» (пейзаж). Композиция глубинная, многоплановая. Подвижная точка зрения, порядок рассматривания – сверху вниз (как читаются иероглифы, как течёт вода). Нет разработанной системы линейной перспективы, архитектура изображается в аксонометрии. Воздушная перспектива: туман, дымка. Типы пространства: высокие дали, широкие дали (формат свитка). Жанр «птицы – цветы», в изобразительные мотивы заложен символический смысл. Портрет – характерность в нескольких чертах. Повествовательные многофигурные сцены – горизонтальные свитки. Техника: свободная кистевая живопись по шелку, бумаге; тушь, тонировка водяными красками. Тип картины; свиток, временное экспонирование. Включение иероглифических надписей в композицию картины, переплетение изобразительного искусства и каллиграфии. Ярко выраженное авторское начало, подробно разработанная теория и методика обучения живописи.
Скульптура; монументальная и малых форм – фигуры Будды, персонажей буддистской и традиционной местной мифологии, животных.
Декоративно-прикладное искусство (специфические национальные виды) – фарфор, резьба по полудрагоценному камню, кости, лаковые изделия (резьба, роспись) и др. – витиеватость, многодельность, органический характер декора.
Япония (отличия от Китая)
Простота, отсутствие декоративности в архитектуре, вариантность пространства (раздвижные перегородки, ширмы). Эстетика естественности, натуральных материалов. Маленькие домашние сады, подражающие формам дикой природы (камни, кривые деревья). Икебана (искусство составления букетов). Оригами. Нецке (карманная скульптура). 17 – 18 вв. – развитие гравюры на дереве.

Традиционный характер дальневосточного искусства, цикличность и замедленность развития. Сохранение и восстановление разрушенных (Китай, 20 век) традиций искусства; влияние, оказываемое в 18 – 20 веках на культуру Запада.

Искусство Индии, Америки - для самостоятельного знакомства.


6. Новое искусство

19. Художественное новаторство 19 века

Кризис академической художественной системы, ограниченность выразительных возможностей искусства выбором объекта изображения.
Направление развития: преобразование отдельных элементов академической художественной системы, увеличение разнообразия индивидуальных способов видения мира, авторских художественных манер.
В связи с появлением фото и кино – уход изобразительного искусства от документальной фиксации зрительной информации, поиск собственной выразительной специфики. В 19 веке специфика художественного языка живописи выявлялась в русле объективных установок (передать правду зрительного восприятия), что закономерно привело к отрицанию объективных установок и утверждению субъективного взгляда на мир.
Художественное образование: утрата роли академической выучки в приобретении художественного мастерства, индивидуальные пути самостоятельного развития художника.
Э.Мане (Франция, 60-е гг.) – тенденции к отказу от направленного освещения, лепки объёма светотенью, сближенного тонального колорита. Работа пятном, светлотным контрастом, появление чистого цвета. Компромисс между зрительной убедительностью изображения и самоценностью красочного слоя. Техника живописи: аля прима (работа без соблюдения последовательности красочных слоёв, в один приём).
Репин, Серов, Коровин (Россия, кон. 19 – нач. 20 вв.) – работа открытым мазком, стремление зафиксировать живую переменчивость натуры.

Импрессионисты (Франция, 70 – 80-е гг.) – выставочное объединение художников, чьи работы не приняты в официальный Салон (ежегодная выставка в Париже). Название группы - от слова “впечатление”.
Художественные особенности: стремление передать мимолётное впечатление от натуры; смещение акцента восприятия с объекта на субъективность видения; нечёткость, расфокусированность зрелища. Самоценное эстетическое значение красочной массы, цветофактурные эффекты мелких пастозных мазков, необычные сочетания красок, высветление палитры, отказ от тональной передачи локального цвета, цвет предмета исчезает в рефлексах. Работа с натуры, эскизность, быстрота, отсутствие тщательного изучения формы предметов. Доработка картин без натуры в декоративном направлении (красота красочных эффектов).
К.Моне, К.Писсаро, Сислей и др. Живописцы – дилетанты. Ведущий жанр – пейзаж (природные. сельские, городские виды). Слияние пространственных планов в сплошной световоздушной среде.
О.Ренуар, Э.Дега – художники с академическим образованием. Чёткий рисунок сочетается с импрессионистической эстетикой цвета и материала живописи. Жанровые композиции: отсутствие повествовательного сюжета, картинки из праздной буржуазной, богемной, артистической жизни, якобы случайное (на самом деле – тщательно продуманное) кадрирование композиции, игра света и цвета. Портреты – поверхностность психологической характеристики при передаче непосредственного впечатления от натуры. Но: разрушение классического идеала красоты человеческого тела во имя красоты живописи.
Грабарь (Россия, нач. 20 в.) – поздний последователь импрессионистов.

Элементы импрессионизма в скульптуре: живописные эффекты проработки поверхности, следы лепки, инструмента ваяния, эскизность пластики, стремление запечатлеть мимолётные состояния (противоречие с реальной трёхмерностью и статуарностью фигур). Роден (Франция), П.Трубецкой, Голубкина (Россия).

Постимпрессионизм (80 – 90-е гг.) – развитие тенденций, заложенных в импрессионизме.
Франция:
Ж.Сёра, Синьяк – «пуантилизм» – обобщение субъективного импрессионистического опыта работы с цветом, разработка объективной системы оптического смешивания цветов – чередование мелких красочных мазков чистых цветов, которые издали дают впечатление сложного богатого цвета.
Ван Гог - использование опыта импрессионизма (субъективный цвет, динамичный открытый мазок) для решения выразительных задач. Трагичное, напряженное, с элементами символизма видение мира. Искажение предметных форм во имя экспрессии. Дилетант.
Гоген – декоративность крупного цветового пятна, выразительность контуров (влияние стиля «модерн»), символизм, экзотизм (уехал на Таити).
Сезанн – аналитический подход к натуре, передача сути, а не поверхностной видимости формы. Объёмно-пространственная штудия формы в натюрморте, пейзаже, изображении человека. Обобщённая структурность, кристалличность, тяжеловесная материальность форм. Сведение колорита к элементарным сочетаниям нескольких цветов (холодных, тёплых), «заземление» цвета. Нарушение правильности рисунка, минимальные искажения, переломы и сдвиги создают статичное напряжение объёмов и пространств. Отказ от мелочной проработки живописной поверхности.
Россия: Врубель – обобщение опыта школы Чистякова. Построение объёмной формы методом «огранки» пространства пересекающимися плоскостями. Аналитический подход к форме сочетается с декоративной проработкой поверхности и символизмом сюжетов.

20. 20 век: анализ и синтез пластической формы

Высший уровень творчества (авангард) – моделирование художественных систем, поиск новых способов формообразования, новых выразительных возможностей искусства. Направление развития – от единственной художественной системы и её вариантов (академизм, реализм, импрессионизм…) к параллельному равноправному существованию множества художественных систем. Отход от буквального сходства изображения и натуры. Утверждение условности художественного языка на новом уровне: выразительность художественных форм определяется отличием изображения от форм действительности и характером этого отличия.
Характер творчества – рефлексия художественного языка искусства, построение новых художественных систем на произвольно избранных основаниях.

Кубизм (Франция, Россия, начало века – 10е гг.) – развитие тенденций аналитического подхода к изображению, заложенных Сезанном.
Первый период кубизма – аналитический. Задача – отразить реальность. Жанры – натюрморт, архитектурный вид, человеческая фигура. Установка восприятия – объективная (показать форму в её физических структурных закономерностях). Отказ от единственной точки зрения на объект, стремление рассмотреть его с разных сторон. Суммирование разносторонних видов объекта в единой композиции. Нарушение линейной перспективы, угловатая динамика объёмов, активное парадоксальное глубинное пространство. Обобщённость цвета и формы, сведение колорита к элементарным цветовым отношениям. Объём передаётся растяжками цветового тона от тёмного к светлому, без учёта направления светового потока.
Второй период развития кубизма – синтетический. Сведение объёмной формы предмета к сумме плоскостных проекций, произвольно скомпонованных в единую композицию. Задача: создать новую реальность, установка восприятия -–объективная (материал для создания новой формы – результат анализа форм реального мира). Декоративный колорит: яркие чистые цвета или оттенки землистых цветов. Включение в композицию реальных материалов (коллажи, материальные подборы). Композиции – статичные уравновешенные (Запад), динамичные, напряженные (Россия).
Живопись: Пикассо, Брак, Леже (Франция); Кончаловский, Фальк, Попова, Куприн, Волков (Россия) и др.
Кубизм в скульптуре: составление фигур из стереометрических элементов. Архипенко, Липшиц, Альтман и др.
Роль кубистической штудии формы в дальнейшем развитии искусства по пути неоклассики (восстановление пластической целостности формы). Пикассо, Мухина.

Футуризм (Италия, Россия) – вариант кубизма, отличающийся обостренной динамикой форм и увлечением образами современности. Соединение в одной композиции разновременных моментов наблюдения (растяжка движения). Боччони (Италия), Лентулов (Россия) и др.

Абстракционизм (Россия, Франция, Нидерланды, Германия, 10-е гг.) – сведение структуры объектов действительности к простейшим геометрическим и стереометрическим элементам, составление «алфавита» пластических первоэлементов («супрематизм» Малевича), создание новых форм, не соотносящихся с образами действительности. Беспредметность искусства. Значение абстрактного формообразования для сложения языка современной архитектуры, дизайна, для художественного образования 20 века.
Малевич, Родченко, Попова, Степанова и др. (Россия), Мондриан (Франция), Тео ван Дуйсбург (Нидерланды), Робер и Соня Делоне (Франция – Россия), Кандинский (Россия – Германия)…
Абстракционизм в скульптуре – Бранкузи (Румыния – Франция).

21. Выразительные возможности художественных средств в искусстве 20 века

Выразительные задачи искусства 20 века – донести до зрителя смыслы, находящиеся за пределами объективной видимости, невозможные для передачи «в формах самой жизни» (экстремальные переживания, Неоднозначное отношение к явлениям действительности, философские обобщения). Усложнение жизненной и мировоззренческой проблематики, углубление её осмысления привели к недостаточности возможностей академической изобразительной системы для визуализации художественных образов. Потребность в сильных выразительных средствах. Непосредственное эмоциональное воздействие на зрителя формальных художественных средств вне предметности, роль композиции, ритма, цвета, характера линии, пятна, объёма, пространства (динамика – статика, покой – напряжение, цвет радостный – мрачный…).
Экспрессивная абстракция – Кандинский (Россия – Германия) – бурная динамика беспредметных форм, активность цвета. Клее (Германия) – спокойные гармоничные композиции из геометрических элементов, передача нюансов настроения цветом.

Выразительные средства в рамках предметности: искажение привычного облика объектов действительности, огрубление форм, гротеск, отказ от правильной пластической анатомии, от глубинного пространства, от передачи локального цвета… Активизация зрительского восприятия резкими раздражителями, установка на осмысление различий между натурой и изображением. Возрождение условности художественного языка на новом уровне смысловой организации искусства.
Экспрессивный кубизм: передача негативных эмоций (страх, тревога, предчувствие и переживание ужасов истории 20 века). Пикассо (Франция) – искаженные угловатые или округлые формы человеческих фигур. Филонов (Россия) – огрублённые, «рубленые» формы, атомистическое дробление пространства.
Фовизм (Франция, 00 – 10-е гг.) – от слова «дикость». Грубая неаккуратная живопись, открытый чистый цвет, крупный мазок, пятно, упрощённый рисунок, плоскостность, декоративность. Передача положительных эмоций, радости жизни, гармонии бытия. Матисс, Брак (ранний), Марке, Дерен, Дюфи и др.
Влияния фовизма в России – Сарьян.
Экспрессионизм (Германия, 10 – 30-е гг.) – от слова «выразительность». Выразительные средства те же, что и в фовизме + опыт кубизма. Передача отрицательных эмоций, напряжения и трагизма бытия, социальная критика, антибуржуазный пафос. Программный тезис – непосредственность и прямота выражения.
Марк, Кирхнер, Кокошка, Бекман, Гросс, Дикс и др.

22. Примитивы и примитивизм в искусстве 20 века

В моделировании новых художественных систем необходима опора на традиции. Актуальны неакадемические традиции, архаичные, экзотические художественные системы. На рубеже веков в Европе открыты и введены в контекст высокой культуры иконопись, народное искусство, детское творчество, творчество художников-самоучек, искусство народов Африки, Океании (так наз. примитивное искусство). Примитивное искусство получило самостоятельную художественную ценность. Ценность примитивного искусства – свежесть и непосредственность видения мира, стилистическая самобытность, фантазия, отражение «коллективного бессознательного». В работе с самоучками действует принцип: не учить, а способствовать самостоятельному развитию и реализации в творчестве индивидуальности художника. Значение эстетики примитивного искусства для организации изо-деятельности детей. Развитие самодеятельного творчества как отдельной области культуры.
Художники-примитивы: А.Руссо (Франция, конец 19 в.), Н.Пиросманишвили (Грузия, нач. 20 в.), Т.Оцепка (Польша, сер. 20 в.), М.Примаченко (Украина, 60 0 90-е гг.), Е.Медведева (Россия, наши дни) и др.

Примитивизм – влияние примитивного искусства на творчество художников-профессионалов. Превращение неумения в формальную художественную систему со своими правилами (условное плоскостное изображение, характерное искажение формы, простой цвет). Использование специфической примитивной выразительности (наивности) для передачи серьёзного глубокого содержания (социальная критика, философские обобщения, негативные эмоции…) Перемена эмоциональных «полюсов»: с положительного (настоящему примитиву свойственна идеализация действительности, стремление к красоте и гармонии) на отрицательный (сарказм, ирония).
Художники-примитивисты: Малевич (ранний), Гончарова, Ларионов, Шагал (первая половина века); Брускин, Пурыгин (наши дни) …

23. Парадоксы мышления в искусстве 20 века

До 20 века художественное восприятие основывалось на обыденном мышлении. Искусство и действительность осмысливались и эмоционально переживались с помощью одних и тех же интеллектуальных операций. Искусство было понятным без рефлексии его выразительных средств и без рефлексии самих интеллектуальных операций, приводящих к созданию образа. В 20 веке произошло углубление и расширение мышления, освоение новых способов художественного мышления, отличных от обыденного видения мира. Чтобы понять искусство, зритель должен освоить и осмыслить ту форму мышления, которую использовал художник. Произведение искусства представляет собой интеллектуальную задачу, требующую решения.
В соответствии с многообразием способов мышления в искусстве сформировалось разнообразие творческих методов (способов создания художественного образа).
- аналитический метод – предельно рациональный, близкий к инженерному (в кубизме, супрематизме);
- иррациональный метод – эксплуатация непосредственного чувства, прямая проекция чувства на пластическую форму (в фовизме, экспрессионизме);
- имитация наивного мышления – мифологизм, некритичность, стереотипность (в примитивизме)…

Сюрреализм (20 – 50-е гг.) – «сверхреализм», раскрывает работу подсознания, опирается на открытия в психологии (Фрейд, Юнг). Программный тезис (поэт А.Бретон, Франция, 1924): реальность губит воображение, рациональное мышление не даёт реализовать «Я»; отрицание логики и анализа в искусстве. Метод – «психологический автоматизм» – фиксация образов, самопроизвольно порождаемых подсознанием (сродни потоку свободных ассоциаций – по Фрейду).
Направления в сюрреализме:
А) Строгое соблюдение метода «психологического автоматизма». Случайность, спонтанность, иррационализм, субъективизм творчества.
Хуан Миро (Испания) – абстрактные фигуры, иероглифы подсознания. Крепкая формальная организация композиций на плоскости.
Ив Танги (Франция) – случайные формы, проработанные в объёме, размещённые в глубинном пространстве. Возвращение к академической художественной системе для придания абстрактным формам зрительной иллюзорности.
Б) Сюрреализм как образная система. Парадоксальные соединения узнаваемых фрагментов действительности, конструирование абсурдного, алогичного мира. Метод субъективно-рациональный; использование образов и смыслов мировой культуры, стереотипов обыденного мышления.
Пикассо (Франция) – не примыкал к группе сюрреалистов, но в некоторых работах был близок к сюрреализму по методу. «Герника» - трагедия войны передана в символических образах, ассоциативно и опосредованно связанных с темой картины. Кубистическое искажение форм.
Рене Магрит (Бельгия) – парадоксальная компоновка банальных образов средствами академической художественной системы.
Де Кирико (Италия) – странный неуютный мир из античных обломков, мотивов классической архитектуры.
Макс Эрнст (Германия) – абсурдные коллажи из книжных иллюстраций 19 века.
Сальвадор Дали (Испания) – реалистическое изображение фантастического мира.

Развитие традиций сюрреализма в «новой вещественности».

Френсис Бэкон (Англия, 50 – 70-е гг.) – сюрреалистическое (аморфное) искажение форм человеческой анатомии, деструкция образа обыденной действительности.
Генри Мур (Англия) – скульптура. Спонтанное формообразование, органика объёмов, пластика пустот.

24. Работа в нетрадиционных материалах и техниках в искусстве 20 века

Расширение границ понятия «искусство». Искусством считается всё, что попадает в ситуацию художественного восприятия. Материалом искусства становится буквально всё. Включение в живопись, скульптуру вторичных материалов, фрагментов реальных вещей .
Техники: коллаж - составление плоскостных композиций из фрагментов реальных предметов, газет, обоев, тканей и т.п.; материальный подбор (контррельеф) – составление объёмных композиций, имеющих заднюю плоскость, из разного рода реальных материалов и фрагментов вещей; объёмные конструкции – объекты. Значение работы в нетрадиционных материалах и техниках для архитектуры и дизайна, для занятий с детьми (развитие образного, конструктивного мышления, чувства материала, творческого воображения).

Кубизм (Пикассо, Брак) – сохранение изобразительности, преобладание образного начала, возможность узнавания в композиции натурного прототипа
Конструктивное направление: беспредметность, динамичные пространственные построения. Макетирование архитектурных форм (Памятник Ш интернационалу). Родченко, Н.Габо – конструктивные объекты, статичные и кинетические (движущиеся).

Группа «Дада» (10 – 20-е гг.) – обыденная банальная вещь как предмет созерцания в качестве художественного объекта. Отрицание буржуазных ценностей, эстетический и интеллектуальный протест.
Марсель Дюшан (Франция) – конструкции из реальных материалов, обыкновенные как выставочные экспонаты. Изображения на стекле – парадоксальное включение изображенного объекта в реальное пространство.
К.Швиттер (Германия) – «мерц» – композиции из мусора, принципиальный антиэстетизм материала.
Макс Эрнст (Германия) – техника фроттажа – протирки на бумаге реальных фактур, микрорельефов, комбинирование из них оригинальных композиций.

Поп-арт (популярное искусство), 50-е гг. – программный тезис: утверждение эстетической ценности жизни во всех её проявлениях. Артефакт – любой объект как произведение искусства. Инсталляция – натурная установка, объёмно-пространственная композиция из реальных объектов. Акция – символическое событие в реальности, имеющее художественное прочтение; возможно участие зрителей. Перформанс – символическое действие, представление в реальности, имеющее художественное прочтение.
Раушенберг (США) – материальные подборы из фрагментов упаковки, промграфики, предметов ширпотреба, фотографий, репродукций картин; имитация в традиционных художественных материалах (керамика, литография) нехудожественных объектов.
Г.Юккер (Германия) – гвозди и другие обыденные предметы как материалы и предметные символы. Работа в различных техниках поп-арта.

Кинетизм – продолжение традиций конструктивизма. Художественные объекты с включением в их структуру различного рода реального движения, изменения пространственной конфигурации, фактора времени.
Татлин, Родченко (Россия, 20-е гг.), А.Колдер, Н.Габо, Ж,Тэнгели, Г.Юккер (Западная Европа), Колейчук, Инфанте (Россия, наши дни).

Боди-арт – художественные акции с участием реального человека как объекта созерцания. Гилберт и Джордж (Англия).

Лэнд-арт – инсталляции и акции с объектами реального ландшафта. В.Бахтов (Украина).

Современное актуальное искусство - для самостоятельного знакомства.

25. Архитектура, декоративно-прикладное искусство и дизайн второй половины 19 – 20 вв.

Факторы развития архитектуры:
- новые функциональные задачи – технические объекты, промышленные сооружения, крупные общественные, спортивные сооружения; необходимость в перекрытии больших площадей, в новых объёмно-пространственных решениях для новых форм организации жизненных и производственных процессов;
- новые конструкции, материалы (металл, железобетон, каркас…);
- смена стилей, эстетических представлений (внутрихудожественные тенденции развития).

В 19 веке функциональные и конструктивные новшества опережают эстетическое развитие. Новаторская структура сооружений облекается в традиционный декор (эклектика, модерн).

Дж. Пакстон (Англия), Кристалл-Палас (1851) – экспозиционный павильон для Всемирной выставки в Лондоне. Чугунные конструкции, стеклянные стены и перекрытия.
Г.Эйфель (Франция), башня и экспозиционные павильоны на Всемирной выставке в Париже (1889) –чугунные конструкции, сооружения большой высоты, перекрытие больших площадей.
В.Шухов (Россия), павильоны Нижегородской ярмарки (1896), водонапорные башни, дебаркадер Киевского вокзала в Москве, Радиобашня (нач.20 в.) - различные типы инженерных конструкций, высотные объекты, перекрытие больших пространств.
Л.Салливен (США, 90 – 10-е гг.) – конторские здания повышенной этажности, каркасная конструкция, железобетон (прототипы небоскрёбов).

В начале 20 века происходит очищение архитектуры от декора. Роль формального эксперимента в станковом искусстве для сложения художественного языка архитектуры (Малевич, «супрематизм» – разработка пластического языка простых геометрических форм).

Ф.Л.Райт (США, 10 – 50-е гг.) – частные сельские дома, конторские и др. общественные здания. Свободные асимметричные планы, взаимоперетекание открытых пространств, остекление стен. Гармония архитектуры и природной среды.
Ле Корбюзье (Франция, 20 – 60-е гг.) – провозгласил 5 принципов современной архитектуры (независимость планировки интерьера и расположения стен от несущего каркаса, опора свободно стоит в интерьере; свободный план, пластика пространства; свободный фасад; плоские обжитые крыши; облегчение основания здания, дома на «ножках»). Градостроительные принципы: свободно стоящие здания, типовая застройка.
В.Гроппиус, Л.Мис ван дер Роэ (Германия, 20 – 3-е гг., учебное заведение Баухауз; с 40-х гг. – США) – строгий функционализм, максимальное упрощение и геометризация форм, дома – «коробки».
А.Алто (Финляндия, 30 – 50-е гг.) – органическая архитектура, смягченные криволинейные формы, естественные материалы, гармония сооружения с природной средой.
И.Утцон (Австралия, 60-е гг.) – образное начало в функциональной форме (театр в Сиднее, сходство с парусами).
Фрай Отто (Германия, 70 – 80-е гг.) – зонтичные, вантовые, плёночные и др. современные конструкции и их пластическая разработка.

Россия:
20 – 30-е гг. – конструктивизм. Формы сооружений заданы функцией и конструкцией. Эстетика конструкции, рациональные объёмно-пространственные решения, свободная планировка, асимметрия, динамика форм, Эстетика чистой формы, отрицание декора. Братья Веснины, Мельников, Голосов, Леонидов и др. Учебное заведение – ВХУТЕМАС.
Консервативное направление (существовало и на Западе, наиболее ярко представлено в России и Германии). Опора на стереотипы восприятия, культивирование традиционных ордерных форм, декоративизм. Продолжение тенденций неоклассики начала века.
А.Щусев – мавзолей Ленина.
1933 – 1935 – конкурс на Дворец Советов. Победил проект Иофана, Гельфрейха, Щуко: ярусная башня со статуей наверху. Образ величия, стабильности. Декоративность архитектурных форм (возрождение ордера).
Архитектурные объекты 30 – 50-х гг. в Москве: ансамбль ВСХВ. Метро, высотные дома – идеальный образ социализма, помпезность, декоративизм. Противоречие современной конструкции и функции архаичным планировочным решениям и обилию накладного декора («излишества»).
1954 г. – постановление ЦК КПСС о борьбе с излишествами, начало развития массового типового жилищного строительства. Возвращение к эстетике конструктивизма в обеднённом виде (обезличенность, пластическая невыразительность форм, казённый монументальный стиль).
Современное состояние архитектуры – постмодернизм (стилевая эклектика, цитатность). Принципы новаторской архитектуры 20 века вошли в традицию наряду с историческими стилями. Свободный выбор и причудливое сочетание разнородных элементов. «Лужковский стиль» - возрождение ретроспективизма, излишеств.
Новейшие тенденции – экология в архитектуре, идеи охраны природной и исторической среды. Тактичное включение новых построек в ландшафты.

Декоративно-прикладное искусство 20 века – разнообразие тенденций, роль массового промышленного производства.
Вторая половина 19 в. – эклектика, национальные и исторические стилизации (Фаберже, работы Строгановского училища, Абрамцевских мастерских).
Конец 19 – начало 20 в. – стиль «модерн» - органика форм, парадоксальность материалов.
10 – 20-е гг. – влияние абстрактного искусства, функциональность и геометризм форм, появление рационального художественного проектирования – производственного искусства (основа современного дизайна).
На Западе 20 – 30 -е гг. – стиль «ар нуво» – смягчённый модный геометризм с элементами ретроспекции и экзотики. С 40-х гг. – различные направления в дизайне (совокупность методов художественного проектирования изделий промышленного производства, опирается на принципы технической эстетики).
Россия: 20-е гг. – концепции, художественная и учебная практика производственного искусства. Работы Малевича, Татлина, Родченко, Поповой, Степановой, и др. в различных видах декоративно-прикладного искусства (интерьеры, мебель, фарфор, ткани, костюм…). Учебное заведение (прогрессивные методы художественного обучения) – ВХУТЕМАС. Техническая эстетика и агитационная тематика в традиционных художественных производствах (агитационный фарфор, ткани). Обновление художественного языка традиционных народных промыслов на основе восстановления утраченных традиций (Палех, Мстёра, Хохлома и др.)
30 – 50-е гг. – реализм и ретроспективизм, повышенный декоративизм форм. Утрата школы художественного проектирования.
Конец 50-х – первая половина 60-х гг. – очищение и облегчение форм, массовое производство изделий ширпотреба, новые синтетические и искусственные материалы, борьба с излишествами и «мещанским» вкусом, возрождение художественного проектирования (дизайн). Возвращение художественных промыслов к подлинным традиционным истокам (керамика Гжели).
Вторая половина 60-х – до наших дней – новый расцвет декоративизма, развитие «станкового» декоративного искусства (выставочные художественные объекты, по формам восходящие к утилитарным предметам, но лишенные функциональности, выполненные в традиционных материалах и техниках декоративного искусства; свобода творчества и формообразования). Профессиональное развитие, специализация различных отраслей дизайна. В художественных промыслах – консервация, формализация и утрата традиций, нарастание многодельности, декоративной перегруженности форм.

Общие понятия

Что такое искусство?
Форма познания (в отличие от науки), продукт человеческой деятельности (в отличие от природы), проекция сознания во внешний мир, отражение мира в образной форме.
Что такое образ?
Информация об объекте, переданная в пластической форме, + отношение к ней. Образ возникает в сознании при восприятии информации: организованной художественными средствами, восходит к представлению, основывается на зрительной памяти. Образ конкретен (в различной степени).
Художественные средства – способы организации пространства и смысла в искусстве: композиция (плоскостная, условно и иллюзорно глубинная, объёмно-пространственная), цвет, светотень, тематика, особенности авторской манеры…

Стиль – подчинение художественных средств искусства какой-либо формобразующей идее; характеризуется определёнными принципами формобразования и специфическим набором элементов (мотивов). Примеры стилей: геометрический, органический, скифский звериный, египетский, античный, иконописный, романский, готический, ренессанс, барокко, классицизм, модерн, конструктивизм…

Художественная система – совокупность законов и правил искусства, набор которых определяется:
- постановкой художественной задачи (отразить реальность, выразить отношение к реальности, создать новую реальность);
- установками восприятия (объективными, субъективными);
- формальными художественными средствами (способами организации пространства, передачи формы предметов, колоритом…).
Художественная система (та или иная) определяет характер художественного обучения.

Классификация искусства
Искусства: временные (литература, музыка), пространственные или пластические, комплексные (танец, театр, кино, книга).
Пространственные (пластические) искусства: плоскостные (графика, живопись), объёмно-пространственные (архитектура, скульптура), комплексные (декоративно-прикладное искусство).
Виды пространственных искусств: изобразительные (живопись, графика, скульптура); конструктивные (архитектура, технический дизайн); комплексные (декоративно-прикладное искусство). Конструкция есть в любом виде изобразительного искусства (материалы, техника); изобразительное (образное) начало есть в любой конструкции (ассоциативные эмоциональные и смысловые значения).